Robert Crumb

A conversation between Francoise Mouly    (Art director of The New Yorker and editor of Little Lit and Raw)

http://fora.tv/2009/10/23/R_Crumb_in_Conversation_with_Francoise_Mouly

80's doc

Todd Klein

If you are looking for a quality, frequently updated, one-stop blog about comics, you can easily go to Todd Klein's.

Klein is probabily the most awarded letterer in the comic book industry, and deservedly so.

While lettering has often been seen as a painstaking and inherently rewardless job (not to mention labor-intensive), Klein managed to make it in to an art form.

To be fair, calligraphy is actually always been a respected craft thru history, but in comics it never had the opportunity to shine.

Publishers and editors tried at different times to revert to typographed lettering (I'm not sure that's the way you call it, but forgive me while I look for the correct word to use), but it never stuck. It seems comics can only accept hand-made lettering (or at least a computer lettering that looks like it has been designed by hand)


Thanks to a number of titles that required (or at least allowed) the letterer to be creative, Todd Klein specialized in creating unique fonts and modes for a number of characters and since became the letterer of choice for many prestige books.

But it is unfair to label Kelin simply as a letterer, he is one of the few people in comics who can actually do anything: writing, drawing, logo design, inking, coloring, editing...

The blog is more about his reads, his travels and also his job, but it is but a section of his Website, which includes essays and documents on how he does his stuff.

The article linked here is a very interesting account of how American comics used to get colored.

A very instructive read.

Carlos Trillo

 Great Blog dedicated to the prolific Carlos Trillo.


The blog is full of scans from Trillo & Zaffino stories realized for the Italian Markt, which are a delight.

Here's an example (follow the link)

This is the link to the Spanish language Wikipedia page about Trillo (definetly more satisfying and complete than its counterpart in English)

Galerij Van Blerck

Random snapahots taken while setting up the "Studio Vitalski Exposeert" exhibit.

I wasn't there for the opening or any of the followong days due to a nasty flu, so these photos were forgotten for a while on my mobile...

Steve Ditko

I first encountered Steve Ditko's art on the pages of Marvel Comic's Indiana Jones comic books in the late eighties.
Not much later I learned he was the creator, together with Stan Lee, of Spider-Man.

Still I was completely oblivious about his rather interesting career until this documentary aired on BBC.

Enjoy

Moebius

There is very little I can say about Jean Giraud a.k.a. Moebius that hasn't been said already and better.

Just enjoy these wonderful docs.

Alberto Breccia

Alberto Breccia is one of the undisputed masters of Argentinian comics.

I must confess that if it weren’t for writer and friend Alessandro Ferrari, who suggested me to give a better look to the last Mort Cinder story (printed in an anthology collection that I lent to him!) I may have continued to consider him “one of the Argentinians”.

Breccia was a master of lighting and mood. Even if based on a very solid and “classical” drawing stile, his characters and backgrounds have a strong expressionistic look. He must also be remembered for experimenting a lot with mixed media techniques, comprising of photo collages, watercolors and zip-a-tones to create unique textures.

He has probably been a big influence on Frank Miller, both for themes (the final Mort Cinder story is a retelling of the battles of Thermopylae) and for the use of stark black and white contrasts.

An important collaboration in his life was with writer Héctor Oesterheld:  the duo collaborated on a number of series, besides Mort Cinder, and on the comic-book biography of Ernesto Che Guevara (co-illustrated by Breccia’s son, Enrique) which is generally considered the reason of Oesterheld’s disappearance in 1976.

Stephen R. Bissette

Sorry for the long hiatus.

Inkstuds.org is the blog that collects the interviews made by Robin McConnell on his show of the same name, on Vancuover radio station CitR. According to the program’s webpage “Inkstuds explores the underbelly of the comic world, interviewing some of today’s top creators. Inkstuds focuses on underground and indie comix from publishers like Fantagraphics, Top Shelf, Drawn and Quarterly and more. Each week, we interview a different creator to get their unique perspective on comix and discuss thier own interesting and upcoming works. No creator too big or too small to be interviewed. The talent interviewed, ranges from the legends of alternative comix, to some kid who has only put out a couple of mini’s, all with something new and interesting to share to the reading public.”

I’ve subscribed as soon as I discovered the site and these hour-long interviews have become one of the highlights of my web experience.

On the site you can also find an incredible archive of past interviews.

The show’s host Robin McConnell is sometimes a little too softspoken, but his knowledge of comics is pretty widespread (he must have a killer collection of books).

To me, one of the best interviews is the one to STEPHEN R. BISSETTE

Known mostly for his work on the SWAMP THING title during Alan Moore’s tenant, Steve Bissette has also been one of the "frontmen" of independent comics and spokesmen for creators rights in the 90s. He created and edited Taboo, a short-lived but very influential comic anthology where From Hell and Lost Girl made their debut.

A great lover of horror movies, Bissette later retired from both mainstream and independent comics (right after the outburst of the collector bubble)  and ventured in to the home video business , working for a video store he partially owned, right in time to witness the decline of the home video market too.

Bissette teaches now courses in Comic Art History, Drawing, and Film at Center for Cartoon Studies in White River Junction, Vermont.

Many many topics are touched upon in this two hour interview: creators rights and livelihood (here and in other interviews Bissette is not afraid to talk about a very mundane but very hard issue: payments), Steve Ditko, the media conglomerates, Robert Altman’s The Long Goodbye, John Carter of Mars, self publishing and more.

Part 1

Part 2

Be sure to check Bissette’s own site: it’s a goldmine.

And here’s an interesting compendium the the Inkstuds interview.

New blog! EC comics!

I've decided to completely change the nature of this Blog and make it now exclusively comics-related.

My attempts to keep some sort of journal failed many times, but more thean that, there is the realization that since I'm not even remotely known or famous (nor have I an interesting life), nobody is really interesed in reading about ME.

I've also noticed that the blogs or sites I keep going back to are those that offer CONTENT. In many years of surfing I came accross a number of sites, videos, interviews that really enriched my knowledge and appriciation of the comics medium.

I'll just use this blog to share this stuff. This blog will not become a one-stop site for all things comics, but hopeful it will contribute to promote the artform and inspire fellow cartoonists.

I will still post stuff I make every now and then, of course. 

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 The first thing I share here is this little docu about EC horror comics. I was not born yet when these books were being published and this stuff never made it to Italy, but they are oftern referred to in interviews to cartoonists or writers as some of the best comics ever produced. The docu is put together in Hollywood's classic celebrative fashion, but it's still very enjoyable.

http://youtu.be/nRUAf5KmcwE

Coming up: STROKE.

Stroke is one of the two upcoming digital publications by the Flemish Indipendent Cartoonists Guild (De Vlaamse Onafhankelijk Stripgilde).
the magazine is edited by Peter Moernhout, who was kind enough to ask me to contribute to the first issue.

I'm proud to announce that my short story A Robin's Dream will be featured in this new (and hopefully succesful) editorial enterprise.

I conceived this 7-page-long-homage-slash-satyre to Batman and Robin (hence the title) almost 8 years ago, working on a suggestion sparked by an Alan Moore interview.
I cannot remember how I went from the initial concept to the final script. I believe it came all out pretty quickly, with every idea leading to the next and fitting nicely into the narrative (except for the ending, which I still find weak), but I probably simply just forget many of the problems I encountered while making it.

The Superdickery website (an hilarious collection of oddities from the pages of superhero comics, especially Superman and Batman titles between the 50's and the 70's) came in handy, providing many of the jokes and references and allowing me to be, in a nasty way, very faithful to the original material.

A Robin's Dream stayed an "unproduced script" and collected bytes of dust on my hard drive for a couple of years, when I pulled it from my files and decided to go further. Still, it did not make it very far until I decided to submit it to the Guild's Plastieken Plunk contest, where it came to Peter's attention.
My story did not make it to the podium, so I've "parked" it on the internet (it's still visible through my Facebook and Google+ profiles) waiting for a way to promote it.
Finally Peter gave me tha chance to publish it. I had to give some final touches and I was indecided whether to put the Alan Moore quote at the begginig of the story or leave it out. I've decided for the latter, beacuse it felt a little pretentious. Besides, the point of the story was to carry out the spirit of Moore's statement by means of a comic book story. Having the quote as well was a little redundant as if I didn't trust my storytelling skills.
So here we are. The magazine should be available on the App Store and other digital platforms in September.
Peter asked me to provide a note about the author (myself) and a link. Faced again witht he fact I have no website of my own, I've decided to put this blog's address as "the link".

Now I'm kind of obliged to update this as frequently as I can, and in English.


I leave you with an unused sketch for the story.

PS: before you ask me, here's Alan Moore's quote, taken from
"Comic Book Artist" issue 25 , published in 2003

“In a way, I beleive that the majority of super-heroes, if you boil them down, are nothing more than a name and a chest emblem. Let's take Batman, for exapmle. There is no resemlance between the avenging Batman created in the Thirties, the smiling avuncular Batman of the Fifties, the grim/tense/taut Batman of Neal Adams in the Seventies and Frank Miller's dark knight of the Eighties. These are not the same person. The only constant is the name and the chest emblem.
I mean, who cares about continuity, really?”

next time: Alan Moore's kikckstarter campaign or "How I wish I had more money".

Aggiornamenti

Assente da un sacco di tempo.

Non me ne sono stato però con le mani in mano.

Ho terminato le matite (parola grossa), allora correggiamo.
Ho terminato i disegni preliminari per la storia (ancora senza titolo) del Professor Lasson contro il Lupo mannaro.

Per una serie di motivi (che trovate spiegati qui sotto), ho chiesto a Vitalski di farmi avere il resto della sceneggiatura in una volta sola, anziché affidarmi una pagina alla volta man mano che procedevo.
E così è venuto a galla quello che ho sempre sospettato: Vitalski non aveva un piano.
Forse a grandi linee, ma nessuna idea su come strutturare la storia o su come concluderla.
Tanto che mi ha chiesto idee per il finale
Chissà, forse apprezza il mio contributo creativo, o forse ha perso ogni fiducia nell'idea di partenza e non ha il timore di sfancularla con un finale poco adeguato.

Ha comunque raccolto i miei suggerimenti e la conclusione è accettabile e dentro i parametri dell'intero fumetto.
Per me è un gran divertimento e lavoro con grande entusiasmo alle chine delle ultime pagine.

La storia, se così sî può chiamare, è incerta: non c'è plot. L'umorismo stralunato e non c'è alcun investimento emotivo.
È pura dinamica, pura azione.

Per me è stato un gran divertimento lavorare senza riflettere troppo, gettarmi sulla tavola nel modo più veloce possibile: lavorare sul retro di fotocopie, cercando di non abbellire troppo i disegni, decidere la composizione delle ginette d'istinto e cercare di conservare il massimo dell'energia al momento del ripasso a china.

Vediamo come sarà il risultato finale, ormai mancano poche pagine (matite e lettering sono già finiti)
Sembra che sarò in grado di rispettare il deadline auto-imposto di maggio.

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Nel frattempo ho provato anche ad avviare una collaborazione con Lander, un ragazzo di Ghent, che ha ideato un imponente progetto fantascientifico durante un corso di sceneggiatura. Dopo alcuni primi timidi contatti abbiamo potuto incontrarci e parlare della sua idea.
È stata un po' una delusione.
Lander è un aspirante sceneggiatore cinematografico che ha "ripiegato" sui fumetti, riscoperti solo alcuni anni fa grazie a SIN CITY di Miller (opera che ho ridimensionato molto col tempo, anche se comprendo l'importanza di Miller nel panorama fumettistico mondiale e gli sarò eternamente grato per il suo libro-conversazione con Will Eisner) e la sua sceneggiatura mi è parsa troppo piena di difetti per credere nel progetto.

Come critico sono sicuramente troppo esigente e non posso escludere che le mie sceneggiature siano altrettanto difettose come quella di Lander
Ma almeno io credo nelle mie idee e sono disposto a lavorare ad un fumetto in cui credo anche sapendo di fare più errori che decisioni giuste.

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Si è poi fatto vivo Antonio Augugliaro, conoscenza dei lontani tempi (dieci annifa!) in cui lavoravo al Teatro Libero. Antonio è un filmmaker di base a Milano. Ho scoperto il suo canale Youtube temo fa, dove a volte carica alcuni dei suoi corti. Probabilmente stimolato da un "like" fatto ad uno dei suoi recenti video, mi ha contattato per sapere se volevo aiutarlo per un progetto.
Mi ha proposto di adattare a fumetti dei racconti al fine di realizzare unas erie di "motion comics" (una specie di evluzione degli antichi "fumetti in TV" di Supergulp).

Per ora si tratta di realizzare un test di 90 secondi, nella speranza che uno dei canali televisivi per cui lavora gli commissioni un pilota completo.

Anotnio mi ha lasciato carta bianca per l'adattamento, così nelle ultime due settimane ho scritto la mia prima sceneggiatura a fumetti "su commissione".

È stato un esercizio molto utile e persino divertente.
Per ora non posso dire altro.

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Infine, le mie scorribande sul Web mi hanno fatto scoprire tre ottimi siti sui Fumetti

Il sito di Steven Bissette, storico disegnatore di Swamp Thing durante il periodo Moore (o meglio ancora, il periodo Moore/Bissette/Totleben/Veitch), nonché creatore di Taboo, rivista seminale per l'evoluzione dei fumetti dnegli ultimi  trent'anni. Ricco di Spunti, links e saggi sul fumetto americano in genere

Conversazioni sul fumetto, forse l'unico sito serio sui fumetti in Italiano, che raccoglie l'eredità critica lasciata dalle (tante) defunte riviste antologiche come Eureka, Star Magazine, all American Comics, Comic Art.

Inkstuds
essenzialmente un podcast (ma con regolari post testuali o di immagini) dove Robin McConnell ha collezionato (e spero continuerà a collezionare) una serie incredibile di interviste con Autori di fumetti di primo e di secondo piano.

Passatempi cretini

Scrivete la barzelletta più stupida che ricordate (quelle di Pierino vanno benissimo) o, se non avete voglia di scriverla da voi, cercatela su Google.
Una volta in possesso del testo della barzelletta, copiatelo nella clipboard (Ctrl+c o Mela+c) e andate su Google Translate.
Ricopiate la barzlletta nel riquadro (facendo attenzione che lalingua selezionata sia l'Italiano)
Poi cliccate sul tasto per ascotlare il testo.

Fate altrettanto con la traduzione simultanea nella lingua che preferite.

Certo che a volte son proprio figo

Adesso non so più come ci sono arrivato, ma mi serviva un diavolo.
Per la mia storia, intendo.
Mi occorreva una figura della mitologia animista Yoruba che potesse prendere il ruolo del diavolo.

In aassenza di biblioteche consultabili, ho dovuto fare affidamento su Internet.

La religione Yoruba non sembra avere un corrispettivo del Diavolo della tradizione giudaico cristiana.
La cosa che sembra andargli più vicino è Esu, che però sembra avere anche gli elementi del trickster
Una leggenda racconta di come attraversò un villaggio pitturato metà nero da un lato e metà bianco dall'altro, innescando così una faida tra gli abitanti delle parti opposte della strada, convinti da ogni lato di aver visto lo spirito nel suo unico colore.

Per me va benissimo (per sicurezza comunque gli metto in bocca le parole "Io non sono il DIAVOLO.")

La natura burlona di questo spirito (o Dio) Yoruba mi permette di associarlo ad una altro personaggio, IRKU il che funziona bene.

Perché mi sento figo?
Perché grazie a Eclettica di Giulio Caperdoni, che ne fa ascoltare degli estratti, scopro che ad Esu fa riferimento anche City of God, film che ha non pochi punti di contatto con il mio fumetto (e che adesso mi tocca a guardare per intero, dato che ne ho vista solo l'ultima mezz'ora).
E ne fa riferimento proprio come ad un diavolo per una scena di iniziazione che rischia di ricordare molto una sequenza del mio fumetto.

5 (somewhat) good things JJ Abrams could do with the new SW movies (and probabiy won't)

 

 

1) Start Fresh

And I mean: leave the originals alone. Start a new story with new characters.

Get rid of the continuity and of the throwbacks at the beginning of the new film and make tabula rasa of everything, at least plotwise (of course there should be the Force, Jedi knights, spacecrafts and battle scenes)

The original trilogy is one of the most-beloved series of films. The audience has become very precious about the originals (to the point that many now disregard the constantly-enhanced Special Editions as a travesty). Besides, a lot of people are already concerned about the possibility of seeing the old cast members returning in their roles (they have not aged all that well and I presume a lot of the members of the audience do not want to be confronted with the fact that they have aged too).

Still, Disney did not buy SW to make something NEW out of it, but rather to take advantage of its established popularity: meaning they want to cash in to recognizable characters and situations (they have just announced their intentions about stand-alone movies about Yoda and Han Solo).

When Abrams took the helmet of Star Trek, his mission was clear: revamp the franchise, using all the elements the large majority of the audience knew about it: the Enterprise, Spock, Kirk etc.


Disney announced they are going to make Episode VII, therefore I believe that it will somehow tie in closely with the previous episodes.

It is possible that the prequels and its characters will be less referenced too, since they are not as popular.

I really hope Abrams won't fall in to the temptation of trying to redeem the prequels by picking up storylines or elements and making them cool. The prequels are broken beyond repair.

2) Cast actors he worked with before.

Who wouldn't like to see John Noble or Terry O'Quinn as Jedi? Or Josh Halloway as a space pirate? Or Michael Emerson as a baddie?

Casting decisions are maybe less troublesome for this picture than for other blockbusters. I guess that the SW brand and Abram's name are enough to generate legitimacy. The movie is very likely to be a success whoever they will cast, as long as the choices aren't terribly wrong.

But I cannot help thinking that with Lost, Fringe and other stuff, J J Abrams came across a lot of talented actors who can really deliver. That is, of course, If they have a good script. Which leads to the next entry:

3) Ask Friends

Abrams worked/is friends with a lot of people who could serve as good script doctors or at least could throw in some nice advice: Steven Spielberg, Quentin Tarantino, Kevin Smith (check out this Dinner for Five), Simon Pegg, damn, even Damon Lindelof (yes, the man who according to most has screwed-up the Alien franchise) and his Lost writing partner Carlton Cuse. These are all people that may have some interesting insights about what made Star Wars good.

Michael Arndt and Lawrence Kasdan (both fine writers) are also being involved in the SW revamp, but it is not clear what their contribution will be. However J J Abrams is an accomplished storyteller. As long as he cares, I'm confident this could turn out good.

4) No 3D

Of all I've written, this seems the most unlikely to happen. Unless 3D becomes "uncool" or turns in a gigantic boomerang in two years time, I guess Disney will follow the trend and shoot this m*********er in 3D.

Storywise this shouldn't matter much, and as long as I can choose to see it in 2D, that's fine.

It's true though that 3D may push a director to choose camera angles more based on their "roller coaster ride" quotient, rather than their effectiveness on a dramatic/storytelling level.

5) Have John Williams write the score

Just kidding.
I mean, Williams is the best and should write it, but I'll love to hear a Michael Giacchino SW score.

Parliamo di tecnica

Il problema quando si scrive una sceneggiatura a fumetti è sapere come tradurre un plot o una situazione in una sequenza di immagini fisse (con l'aggiunta o meno del dialogo).
E un'arte invisibile.
Quando il "decoupage", lo "smontaggio" di un'azione o di una sequenza è fatto bene, non si nota e si lascia leggere che è un piacere. Quando è fatto male la lettura diventa difficile e si é quasi tentati di mettere giù il fumetto.
Quando ci si cimenta in un soggetto per una storia lunga, si finisce per riagionare da scrittore di prosa. Si pensa alla struttura, ai personaggi, si lavora sul lungo termine, salvo poi impazzire cercando ci capire come "far stare" le proprie idee in un numero limitato di pagine o vignette (seppure il fumetto possieda una grandissima capacità di sintesi).
Per questo motivo sarebbe cosa buona fare rodaggio su storie brevi, in modo che ci si possa concentrare su ogni dettaglio che contribuisce al racconto senza perdere la visione d'insieme, proprio in virtù delle ridotte dimensioni narrative

 È essenziale imparare a ragionare per immagini.

Tempo fa ho partecipato a un workshop con Serge, che aveva escogitato (o ricopiato da qualcuno) un esercizio formidabile. Bisognava prendere un foglio, piegarlo in 8 e disegnare all'interno dei riquadri creati dalle piegature la propria giornata fino a quel momento. In questo modo, senza doversi preoccupare del soggetto, si cominciava a riagionare per immagini.
Ok, oggi, mi sono svegliato, ho fatto colazione, mi sono vestito, etc.
Si imparano due cose importanti in questo modo:

1) a scegliere un'immagine che ben racconta il momento. L'atto di svegliarsi è bene illustrato da una sveglia che suona o da una persona seduta sul letto che si stiracchia, mentre non lo è da un disegno di una persona nel letto semplicemente con gli occhi aperti.

2) Gli otto riquadri devono riflettere il tempo in qualche modo, e se la mia giornata l'ho passata principalmente in ufficio, ad esempio, devo essere in grado di trovare più vignette che raccontino la mia giornata in ufficio (anche se monotona). Insomma si impara a gestire il tempo.

La seconda parte dell'esercizio era ancora più interessante, bisognava scegliere due vignette consecutive tra quelle disegnate e su un nuovo foglio piegato in otto, disegnare cosa è avventuo TRA QUELLE DUE VIGNETTE. Così che oltre a imparare a gestire il tempo si comincia a ragionare su come gli eventi sono strutturati. Cause ed effetti. Come si può enfatizzare il dettaglio e la sfumatura. Allo stesso modo si capisce quando certe vignette sono inutili.

L'esercizio potrebbe procedere quasi all'infinito, arrivando a spezzettare in otto vignette azioni molto ravvicinate tra loro (quasi come se si facesse animazione).

Non solo: partendo dalle immagini create nel proprio esercizio si possono fare degli esperimenti, giustapponendo liberamente i disegni. Si scopre allora che l'aggiunta o meno di un dettaglio può fare l'assoluta differenza: suggerire pathos oppure produrre effetti comici per sottrazione.

Sono reduce dall rilettura di una sceneggiatura (piuttosto lunga) di un intero capitolo per un nuovo fumetto e mi sono accordo di aver scritto intere scene SENZA fare questi ragionamenti, ma piuttosto scrivendo il dialogo per poi spezzettarlo in diverse vignette. Anche ammettendo di essere dei bravi dialoghisti (e io non lo sono), non è il modo di procedere.

Certo, se sei Bendis te lo puoi permettere e cavartela comunque (si veda il suo Jinx), na bisognerebbe fare il decoupage prima, come se il fumetto fosse muto.
Il dialogo deve adattarsi alla sequenza come un guanto, punteggiare, ritmare la narrazione, ma non dominarla.

Anche quando la qualità del dialogo fa la differenza, il fumetto non è prosa con dei disegni messi lì a sostituire le parti descrittive tra i dialoghi (o, per usare un espressione che ho imparato da Umberto Eco, "l'istanza
dell'enunciazione").

Il fumetto è piuttosto narrazione visiva che si avvantaggia dell'uso dei testi per creare effetti drammatici.

Ovviamente questo non è un incoraggiamento a scrivere dialoghi poco memorabili.
Uno dei motivi per cui i fumetti sono stati spesso bistrattati è stata la mancanza di ambizione letteraria nel medium. Quando ben scritti (penso ad esempio a Moore e Gaiman) alcuni brani di dialogo o didascalia sono come grandi monologhi teatrali, o brani di musica per il cinema: capaci di sopravvivere benissimo al di fuori del loro contesto di origine.

Ma la scrittura del fumetto deve partire dalle immagini.

Sigà Sigà (Parte boh)

Non so ancora che titolo avrà questa assurda storia (che sarebbe meglio chiamare sequenza, dato che la trama è un filino esile), ma intanto il professore, l'iguana e il lupo mannaro continuano a cadere, ora sotto il livello del mare. Le ultime due pagine le ho davvero tirate via, mi spiace un po' perché si perdono gli omaggi spielberghiani (1941 e I Predatori) ma chi si ferma è come l'Arca: perduto.

Anche l'altro progetto procede (ancora più lentamente, se possibile). Ho un sacco di idee per la testa, vorrei scrivere un sacco di cose, ho un sacco di film da vedere, persone da chiamare, fumetti da leggere. Fin'ora l'unica tecnica che ho scoperto funzionare, alemno per me, è la stessa che uso per riordinare e pulire la casa (Leen riderà se legge queste righe: quando mai riordini e pulisci tu? Dettagli...) La tecnica è cominciare da qualche parte, una qualsiasi, e procedere facendo ciò che serve di volta in volta. Senza strategia, sneza cercare di organizzare il lavoro in modo efficente, senza anticipare ciò che può succedere, magari procedendo pure a rilento, ma senza fermarsi. Probabilmente queste frasi non vi dicono nulla. Ma vedete, anche aggiornare il blog è uno dei miei buoni propositi e se aspetto di avere il tempo per scrivere bene finisce che non faccio più nulla. Per ora beccatevi questo. La bella prosa seguirà.

Pierre Lasson en ik

Al een tijdje bezoek ik Pierre Lasson, professor in de mensenkunde.

Kan niet zeggen dat ik hem goed ken, zijn biografie is mij bijna volledig onbekend, en zoals cabaretier Paolo Rossi vele jaren geleden heeft geschreven, om iemand echt te kennen moet je hem beslapen, en daarom blijft de professor, als stripfiguur, onkenbaar.

Tegelijkertijd ben ik een van zijn avonturen aan het tekenen en zo is een speciale en persoonlijke verhouding geboren.

Geholpen door het feit dat zijn schepper, Vitalski, het scenario naar mij stuurt, een of twee pagina per keer, is het moeilijk de gedachten, acties en reacties van Pierre Lasson te anticiperen.

Hij is bijna ongrijpbaar, niet te beschrijven met weinig, bijvoeglijke en consequente adjectieven.

Maar wel, en misschien net daarom, heeft Vitalski de professor uitgerust met een zeer herkenbare uiterlijk (Vitalski heeft toegegeven dat hij zich door Mickey Mouse liet inspireren).

Vitalski heeft hem beschreven als "pedant", een kwaliteit van trouwens wel meer stripfiguren, die vaak in woorden de acties vaststellen die ze doen, maar ik vind hem vol tegenstrijdigheden en raadselachtig.

Is hij echt een vooraanstaand professor wiens dandy kledingstijl wordt vergeven op basis van zijn autoriteit, of een charlatan die boogt op titels die hij niet heeft (immers, zijn enige leerling is een aap)?

Hij woont in een academische, intellectuele, top-tot-teen mentale wereld, en lijkt niet geïnteresseerd te zijn in de geneugten van het vlees, maar in het boek "Het vrouweneiland” zijn wij getuige van de ontwikkeling van een onweerstaanbare verslaving aan muntblaadjes (ook al is het resultaat van zijn ontwenningsverschijnselen een verhoging van zijn afkeer van het lichamelijke: hij verliest gewoon, het ene na het andere, al zijn lichaamsdelen tot hij een zwevende kop wordt).

Hij is een intellectueel, maar niet in staat om zijn emoties te bevatten.

In de loop van zijn avonturen over de hele wereld, onderneemt hij roekeloze acties, alleen om daarna te schreeuwen bang te zijn voor weerwolven of hoogtes.


Daarom ben ik ervan overtuigd dat Pierre Lasson niets anders is dan de mensheid zelf (of ten minste de mannelijke helft daarvan): ijdel, nieuwsgierig, laf, onzeker en toch ondernemend.

 

En wat ik geschreven heb klopt misschien niet, maar het is wel waar.*


*dit heb ik gestolen van Theo Maassen


PS: Bedankt aan Vitalski voor de correcties.