Stephen R. Bissette

Sorry for the long hiatus.

Inkstuds.org is the blog that collects the interviews made by Robin McConnell on his show of the same name, on Vancuover radio station CitR. According to the program’s webpage “Inkstuds explores the underbelly of the comic world, interviewing some of today’s top creators. Inkstuds focuses on underground and indie comix from publishers like Fantagraphics, Top Shelf, Drawn and Quarterly and more. Each week, we interview a different creator to get their unique perspective on comix and discuss thier own interesting and upcoming works. No creator too big or too small to be interviewed. The talent interviewed, ranges from the legends of alternative comix, to some kid who has only put out a couple of mini’s, all with something new and interesting to share to the reading public.”

I’ve subscribed as soon as I discovered the site and these hour-long interviews have become one of the highlights of my web experience.

On the site you can also find an incredible archive of past interviews.

The show’s host Robin McConnell is sometimes a little too softspoken, but his knowledge of comics is pretty widespread (he must have a killer collection of books).

To me, one of the best interviews is the one to STEPHEN R. BISSETTE

Known mostly for his work on the SWAMP THING title during Alan Moore’s tenant, Steve Bissette has also been one of the "frontmen" of independent comics and spokesmen for creators rights in the 90s. He created and edited Taboo, a short-lived but very influential comic anthology where From Hell and Lost Girl made their debut.

A great lover of horror movies, Bissette later retired from both mainstream and independent comics (right after the outburst of the collector bubble)  and ventured in to the home video business , working for a video store he partially owned, right in time to witness the decline of the home video market too.

Bissette teaches now courses in Comic Art History, Drawing, and Film at Center for Cartoon Studies in White River Junction, Vermont.

Many many topics are touched upon in this two hour interview: creators rights and livelihood (here and in other interviews Bissette is not afraid to talk about a very mundane but very hard issue: payments), Steve Ditko, the media conglomerates, Robert Altman’s The Long Goodbye, John Carter of Mars, self publishing and more.

Part 1

Part 2

Be sure to check Bissette’s own site: it’s a goldmine.

And here’s an interesting compendium the the Inkstuds interview.

New blog! EC comics!

I've decided to completely change the nature of this Blog and make it now exclusively comics-related.

My attempts to keep some sort of journal failed many times, but more thean that, there is the realization that since I'm not even remotely known or famous (nor have I an interesting life), nobody is really interesed in reading about ME.

I've also noticed that the blogs or sites I keep going back to are those that offer CONTENT. In many years of surfing I came accross a number of sites, videos, interviews that really enriched my knowledge and appriciation of the comics medium.

I'll just use this blog to share this stuff. This blog will not become a one-stop site for all things comics, but hopeful it will contribute to promote the artform and inspire fellow cartoonists.

I will still post stuff I make every now and then, of course. 

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 The first thing I share here is this little docu about EC horror comics. I was not born yet when these books were being published and this stuff never made it to Italy, but they are oftern referred to in interviews to cartoonists or writers as some of the best comics ever produced. The docu is put together in Hollywood's classic celebrative fashion, but it's still very enjoyable.

http://youtu.be/nRUAf5KmcwE

Coming up: STROKE.

Stroke is one of the two upcoming digital publications by the Flemish Indipendent Cartoonists Guild (De Vlaamse Onafhankelijk Stripgilde).
the magazine is edited by Peter Moernhout, who was kind enough to ask me to contribute to the first issue.

I'm proud to announce that my short story A Robin's Dream will be featured in this new (and hopefully succesful) editorial enterprise.

I conceived this 7-page-long-homage-slash-satyre to Batman and Robin (hence the title) almost 8 years ago, working on a suggestion sparked by an Alan Moore interview.
I cannot remember how I went from the initial concept to the final script. I believe it came all out pretty quickly, with every idea leading to the next and fitting nicely into the narrative (except for the ending, which I still find weak), but I probably simply just forget many of the problems I encountered while making it.

The Superdickery website (an hilarious collection of oddities from the pages of superhero comics, especially Superman and Batman titles between the 50's and the 70's) came in handy, providing many of the jokes and references and allowing me to be, in a nasty way, very faithful to the original material.

A Robin's Dream stayed an "unproduced script" and collected bytes of dust on my hard drive for a couple of years, when I pulled it from my files and decided to go further. Still, it did not make it very far until I decided to submit it to the Guild's Plastieken Plunk contest, where it came to Peter's attention.
My story did not make it to the podium, so I've "parked" it on the internet (it's still visible through my Facebook and Google+ profiles) waiting for a way to promote it.
Finally Peter gave me tha chance to publish it. I had to give some final touches and I was indecided whether to put the Alan Moore quote at the begginig of the story or leave it out. I've decided for the latter, beacuse it felt a little pretentious. Besides, the point of the story was to carry out the spirit of Moore's statement by means of a comic book story. Having the quote as well was a little redundant as if I didn't trust my storytelling skills.
So here we are. The magazine should be available on the App Store and other digital platforms in September.
Peter asked me to provide a note about the author (myself) and a link. Faced again witht he fact I have no website of my own, I've decided to put this blog's address as "the link".

Now I'm kind of obliged to update this as frequently as I can, and in English.


I leave you with an unused sketch for the story.

PS: before you ask me, here's Alan Moore's quote, taken from
"Comic Book Artist" issue 25 , published in 2003

“In a way, I beleive that the majority of super-heroes, if you boil them down, are nothing more than a name and a chest emblem. Let's take Batman, for exapmle. There is no resemlance between the avenging Batman created in the Thirties, the smiling avuncular Batman of the Fifties, the grim/tense/taut Batman of Neal Adams in the Seventies and Frank Miller's dark knight of the Eighties. These are not the same person. The only constant is the name and the chest emblem.
I mean, who cares about continuity, really?”

next time: Alan Moore's kikckstarter campaign or "How I wish I had more money".

Aggiornamenti

Assente da un sacco di tempo.

Non me ne sono stato però con le mani in mano.

Ho terminato le matite (parola grossa), allora correggiamo.
Ho terminato i disegni preliminari per la storia (ancora senza titolo) del Professor Lasson contro il Lupo mannaro.

Per una serie di motivi (che trovate spiegati qui sotto), ho chiesto a Vitalski di farmi avere il resto della sceneggiatura in una volta sola, anziché affidarmi una pagina alla volta man mano che procedevo.
E così è venuto a galla quello che ho sempre sospettato: Vitalski non aveva un piano.
Forse a grandi linee, ma nessuna idea su come strutturare la storia o su come concluderla.
Tanto che mi ha chiesto idee per il finale
Chissà, forse apprezza il mio contributo creativo, o forse ha perso ogni fiducia nell'idea di partenza e non ha il timore di sfancularla con un finale poco adeguato.

Ha comunque raccolto i miei suggerimenti e la conclusione è accettabile e dentro i parametri dell'intero fumetto.
Per me è un gran divertimento e lavoro con grande entusiasmo alle chine delle ultime pagine.

La storia, se così sî può chiamare, è incerta: non c'è plot. L'umorismo stralunato e non c'è alcun investimento emotivo.
È pura dinamica, pura azione.

Per me è stato un gran divertimento lavorare senza riflettere troppo, gettarmi sulla tavola nel modo più veloce possibile: lavorare sul retro di fotocopie, cercando di non abbellire troppo i disegni, decidere la composizione delle ginette d'istinto e cercare di conservare il massimo dell'energia al momento del ripasso a china.

Vediamo come sarà il risultato finale, ormai mancano poche pagine (matite e lettering sono già finiti)
Sembra che sarò in grado di rispettare il deadline auto-imposto di maggio.

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Nel frattempo ho provato anche ad avviare una collaborazione con Lander, un ragazzo di Ghent, che ha ideato un imponente progetto fantascientifico durante un corso di sceneggiatura. Dopo alcuni primi timidi contatti abbiamo potuto incontrarci e parlare della sua idea.
È stata un po' una delusione.
Lander è un aspirante sceneggiatore cinematografico che ha "ripiegato" sui fumetti, riscoperti solo alcuni anni fa grazie a SIN CITY di Miller (opera che ho ridimensionato molto col tempo, anche se comprendo l'importanza di Miller nel panorama fumettistico mondiale e gli sarò eternamente grato per il suo libro-conversazione con Will Eisner) e la sua sceneggiatura mi è parsa troppo piena di difetti per credere nel progetto.

Come critico sono sicuramente troppo esigente e non posso escludere che le mie sceneggiature siano altrettanto difettose come quella di Lander
Ma almeno io credo nelle mie idee e sono disposto a lavorare ad un fumetto in cui credo anche sapendo di fare più errori che decisioni giuste.

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Si è poi fatto vivo Antonio Augugliaro, conoscenza dei lontani tempi (dieci annifa!) in cui lavoravo al Teatro Libero. Antonio è un filmmaker di base a Milano. Ho scoperto il suo canale Youtube temo fa, dove a volte carica alcuni dei suoi corti. Probabilmente stimolato da un "like" fatto ad uno dei suoi recenti video, mi ha contattato per sapere se volevo aiutarlo per un progetto.
Mi ha proposto di adattare a fumetti dei racconti al fine di realizzare unas erie di "motion comics" (una specie di evluzione degli antichi "fumetti in TV" di Supergulp).

Per ora si tratta di realizzare un test di 90 secondi, nella speranza che uno dei canali televisivi per cui lavora gli commissioni un pilota completo.

Anotnio mi ha lasciato carta bianca per l'adattamento, così nelle ultime due settimane ho scritto la mia prima sceneggiatura a fumetti "su commissione".

È stato un esercizio molto utile e persino divertente.
Per ora non posso dire altro.

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Infine, le mie scorribande sul Web mi hanno fatto scoprire tre ottimi siti sui Fumetti

Il sito di Steven Bissette, storico disegnatore di Swamp Thing durante il periodo Moore (o meglio ancora, il periodo Moore/Bissette/Totleben/Veitch), nonché creatore di Taboo, rivista seminale per l'evoluzione dei fumetti dnegli ultimi  trent'anni. Ricco di Spunti, links e saggi sul fumetto americano in genere

Conversazioni sul fumetto, forse l'unico sito serio sui fumetti in Italiano, che raccoglie l'eredità critica lasciata dalle (tante) defunte riviste antologiche come Eureka, Star Magazine, all American Comics, Comic Art.

Inkstuds
essenzialmente un podcast (ma con regolari post testuali o di immagini) dove Robin McConnell ha collezionato (e spero continuerà a collezionare) una serie incredibile di interviste con Autori di fumetti di primo e di secondo piano.

Passatempi cretini

Scrivete la barzelletta più stupida che ricordate (quelle di Pierino vanno benissimo) o, se non avete voglia di scriverla da voi, cercatela su Google.
Una volta in possesso del testo della barzelletta, copiatelo nella clipboard (Ctrl+c o Mela+c) e andate su Google Translate.
Ricopiate la barzlletta nel riquadro (facendo attenzione che lalingua selezionata sia l'Italiano)
Poi cliccate sul tasto per ascotlare il testo.

Fate altrettanto con la traduzione simultanea nella lingua che preferite.

Certo che a volte son proprio figo

Adesso non so più come ci sono arrivato, ma mi serviva un diavolo.
Per la mia storia, intendo.
Mi occorreva una figura della mitologia animista Yoruba che potesse prendere il ruolo del diavolo.

In aassenza di biblioteche consultabili, ho dovuto fare affidamento su Internet.

La religione Yoruba non sembra avere un corrispettivo del Diavolo della tradizione giudaico cristiana.
La cosa che sembra andargli più vicino è Esu, che però sembra avere anche gli elementi del trickster
Una leggenda racconta di come attraversò un villaggio pitturato metà nero da un lato e metà bianco dall'altro, innescando così una faida tra gli abitanti delle parti opposte della strada, convinti da ogni lato di aver visto lo spirito nel suo unico colore.

Per me va benissimo (per sicurezza comunque gli metto in bocca le parole "Io non sono il DIAVOLO.")

La natura burlona di questo spirito (o Dio) Yoruba mi permette di associarlo ad una altro personaggio, IRKU il che funziona bene.

Perché mi sento figo?
Perché grazie a Eclettica di Giulio Caperdoni, che ne fa ascoltare degli estratti, scopro che ad Esu fa riferimento anche City of God, film che ha non pochi punti di contatto con il mio fumetto (e che adesso mi tocca a guardare per intero, dato che ne ho vista solo l'ultima mezz'ora).
E ne fa riferimento proprio come ad un diavolo per una scena di iniziazione che rischia di ricordare molto una sequenza del mio fumetto.

5 (somewhat) good things JJ Abrams could do with the new SW movies (and probabiy won't)

 

 

1) Start Fresh

And I mean: leave the originals alone. Start a new story with new characters.

Get rid of the continuity and of the throwbacks at the beginning of the new film and make tabula rasa of everything, at least plotwise (of course there should be the Force, Jedi knights, spacecrafts and battle scenes)

The original trilogy is one of the most-beloved series of films. The audience has become very precious about the originals (to the point that many now disregard the constantly-enhanced Special Editions as a travesty). Besides, a lot of people are already concerned about the possibility of seeing the old cast members returning in their roles (they have not aged all that well and I presume a lot of the members of the audience do not want to be confronted with the fact that they have aged too).

Still, Disney did not buy SW to make something NEW out of it, but rather to take advantage of its established popularity: meaning they want to cash in to recognizable characters and situations (they have just announced their intentions about stand-alone movies about Yoda and Han Solo).

When Abrams took the helmet of Star Trek, his mission was clear: revamp the franchise, using all the elements the large majority of the audience knew about it: the Enterprise, Spock, Kirk etc.


Disney announced they are going to make Episode VII, therefore I believe that it will somehow tie in closely with the previous episodes.

It is possible that the prequels and its characters will be less referenced too, since they are not as popular.

I really hope Abrams won't fall in to the temptation of trying to redeem the prequels by picking up storylines or elements and making them cool. The prequels are broken beyond repair.

2) Cast actors he worked with before.

Who wouldn't like to see John Noble or Terry O'Quinn as Jedi? Or Josh Halloway as a space pirate? Or Michael Emerson as a baddie?

Casting decisions are maybe less troublesome for this picture than for other blockbusters. I guess that the SW brand and Abram's name are enough to generate legitimacy. The movie is very likely to be a success whoever they will cast, as long as the choices aren't terribly wrong.

But I cannot help thinking that with Lost, Fringe and other stuff, J J Abrams came across a lot of talented actors who can really deliver. That is, of course, If they have a good script. Which leads to the next entry:

3) Ask Friends

Abrams worked/is friends with a lot of people who could serve as good script doctors or at least could throw in some nice advice: Steven Spielberg, Quentin Tarantino, Kevin Smith (check out this Dinner for Five), Simon Pegg, damn, even Damon Lindelof (yes, the man who according to most has screwed-up the Alien franchise) and his Lost writing partner Carlton Cuse. These are all people that may have some interesting insights about what made Star Wars good.

Michael Arndt and Lawrence Kasdan (both fine writers) are also being involved in the SW revamp, but it is not clear what their contribution will be. However J J Abrams is an accomplished storyteller. As long as he cares, I'm confident this could turn out good.

4) No 3D

Of all I've written, this seems the most unlikely to happen. Unless 3D becomes "uncool" or turns in a gigantic boomerang in two years time, I guess Disney will follow the trend and shoot this m*********er in 3D.

Storywise this shouldn't matter much, and as long as I can choose to see it in 2D, that's fine.

It's true though that 3D may push a director to choose camera angles more based on their "roller coaster ride" quotient, rather than their effectiveness on a dramatic/storytelling level.

5) Have John Williams write the score

Just kidding.
I mean, Williams is the best and should write it, but I'll love to hear a Michael Giacchino SW score.

Parliamo di tecnica

Il problema quando si scrive una sceneggiatura a fumetti è sapere come tradurre un plot o una situazione in una sequenza di immagini fisse (con l'aggiunta o meno del dialogo).
E un'arte invisibile.
Quando il "decoupage", lo "smontaggio" di un'azione o di una sequenza è fatto bene, non si nota e si lascia leggere che è un piacere. Quando è fatto male la lettura diventa difficile e si é quasi tentati di mettere giù il fumetto.
Quando ci si cimenta in un soggetto per una storia lunga, si finisce per riagionare da scrittore di prosa. Si pensa alla struttura, ai personaggi, si lavora sul lungo termine, salvo poi impazzire cercando ci capire come "far stare" le proprie idee in un numero limitato di pagine o vignette (seppure il fumetto possieda una grandissima capacità di sintesi).
Per questo motivo sarebbe cosa buona fare rodaggio su storie brevi, in modo che ci si possa concentrare su ogni dettaglio che contribuisce al racconto senza perdere la visione d'insieme, proprio in virtù delle ridotte dimensioni narrative

 È essenziale imparare a ragionare per immagini.

Tempo fa ho partecipato a un workshop con Serge, che aveva escogitato (o ricopiato da qualcuno) un esercizio formidabile. Bisognava prendere un foglio, piegarlo in 8 e disegnare all'interno dei riquadri creati dalle piegature la propria giornata fino a quel momento. In questo modo, senza doversi preoccupare del soggetto, si cominciava a riagionare per immagini.
Ok, oggi, mi sono svegliato, ho fatto colazione, mi sono vestito, etc.
Si imparano due cose importanti in questo modo:

1) a scegliere un'immagine che ben racconta il momento. L'atto di svegliarsi è bene illustrato da una sveglia che suona o da una persona seduta sul letto che si stiracchia, mentre non lo è da un disegno di una persona nel letto semplicemente con gli occhi aperti.

2) Gli otto riquadri devono riflettere il tempo in qualche modo, e se la mia giornata l'ho passata principalmente in ufficio, ad esempio, devo essere in grado di trovare più vignette che raccontino la mia giornata in ufficio (anche se monotona). Insomma si impara a gestire il tempo.

La seconda parte dell'esercizio era ancora più interessante, bisognava scegliere due vignette consecutive tra quelle disegnate e su un nuovo foglio piegato in otto, disegnare cosa è avventuo TRA QUELLE DUE VIGNETTE. Così che oltre a imparare a gestire il tempo si comincia a ragionare su come gli eventi sono strutturati. Cause ed effetti. Come si può enfatizzare il dettaglio e la sfumatura. Allo stesso modo si capisce quando certe vignette sono inutili.

L'esercizio potrebbe procedere quasi all'infinito, arrivando a spezzettare in otto vignette azioni molto ravvicinate tra loro (quasi come se si facesse animazione).

Non solo: partendo dalle immagini create nel proprio esercizio si possono fare degli esperimenti, giustapponendo liberamente i disegni. Si scopre allora che l'aggiunta o meno di un dettaglio può fare l'assoluta differenza: suggerire pathos oppure produrre effetti comici per sottrazione.

Sono reduce dall rilettura di una sceneggiatura (piuttosto lunga) di un intero capitolo per un nuovo fumetto e mi sono accordo di aver scritto intere scene SENZA fare questi ragionamenti, ma piuttosto scrivendo il dialogo per poi spezzettarlo in diverse vignette. Anche ammettendo di essere dei bravi dialoghisti (e io non lo sono), non è il modo di procedere.

Certo, se sei Bendis te lo puoi permettere e cavartela comunque (si veda il suo Jinx), na bisognerebbe fare il decoupage prima, come se il fumetto fosse muto.
Il dialogo deve adattarsi alla sequenza come un guanto, punteggiare, ritmare la narrazione, ma non dominarla.

Anche quando la qualità del dialogo fa la differenza, il fumetto non è prosa con dei disegni messi lì a sostituire le parti descrittive tra i dialoghi (o, per usare un espressione che ho imparato da Umberto Eco, "l'istanza
dell'enunciazione").

Il fumetto è piuttosto narrazione visiva che si avvantaggia dell'uso dei testi per creare effetti drammatici.

Ovviamente questo non è un incoraggiamento a scrivere dialoghi poco memorabili.
Uno dei motivi per cui i fumetti sono stati spesso bistrattati è stata la mancanza di ambizione letteraria nel medium. Quando ben scritti (penso ad esempio a Moore e Gaiman) alcuni brani di dialogo o didascalia sono come grandi monologhi teatrali, o brani di musica per il cinema: capaci di sopravvivere benissimo al di fuori del loro contesto di origine.

Ma la scrittura del fumetto deve partire dalle immagini.

Sigà Sigà (Parte boh)

Non so ancora che titolo avrà questa assurda storia (che sarebbe meglio chiamare sequenza, dato che la trama è un filino esile), ma intanto il professore, l'iguana e il lupo mannaro continuano a cadere, ora sotto il livello del mare. Le ultime due pagine le ho davvero tirate via, mi spiace un po' perché si perdono gli omaggi spielberghiani (1941 e I Predatori) ma chi si ferma è come l'Arca: perduto.

Anche l'altro progetto procede (ancora più lentamente, se possibile). Ho un sacco di idee per la testa, vorrei scrivere un sacco di cose, ho un sacco di film da vedere, persone da chiamare, fumetti da leggere. Fin'ora l'unica tecnica che ho scoperto funzionare, alemno per me, è la stessa che uso per riordinare e pulire la casa (Leen riderà se legge queste righe: quando mai riordini e pulisci tu? Dettagli...) La tecnica è cominciare da qualche parte, una qualsiasi, e procedere facendo ciò che serve di volta in volta. Senza strategia, sneza cercare di organizzare il lavoro in modo efficente, senza anticipare ciò che può succedere, magari procedendo pure a rilento, ma senza fermarsi. Probabilmente queste frasi non vi dicono nulla. Ma vedete, anche aggiornare il blog è uno dei miei buoni propositi e se aspetto di avere il tempo per scrivere bene finisce che non faccio più nulla. Per ora beccatevi questo. La bella prosa seguirà.

Pierre Lasson en ik

Al een tijdje bezoek ik Pierre Lasson, professor in de mensenkunde.

Kan niet zeggen dat ik hem goed ken, zijn biografie is mij bijna volledig onbekend, en zoals cabaretier Paolo Rossi vele jaren geleden heeft geschreven, om iemand echt te kennen moet je hem beslapen, en daarom blijft de professor, als stripfiguur, onkenbaar.

Tegelijkertijd ben ik een van zijn avonturen aan het tekenen en zo is een speciale en persoonlijke verhouding geboren.

Geholpen door het feit dat zijn schepper, Vitalski, het scenario naar mij stuurt, een of twee pagina per keer, is het moeilijk de gedachten, acties en reacties van Pierre Lasson te anticiperen.

Hij is bijna ongrijpbaar, niet te beschrijven met weinig, bijvoeglijke en consequente adjectieven.

Maar wel, en misschien net daarom, heeft Vitalski de professor uitgerust met een zeer herkenbare uiterlijk (Vitalski heeft toegegeven dat hij zich door Mickey Mouse liet inspireren).

Vitalski heeft hem beschreven als "pedant", een kwaliteit van trouwens wel meer stripfiguren, die vaak in woorden de acties vaststellen die ze doen, maar ik vind hem vol tegenstrijdigheden en raadselachtig.

Is hij echt een vooraanstaand professor wiens dandy kledingstijl wordt vergeven op basis van zijn autoriteit, of een charlatan die boogt op titels die hij niet heeft (immers, zijn enige leerling is een aap)?

Hij woont in een academische, intellectuele, top-tot-teen mentale wereld, en lijkt niet geïnteresseerd te zijn in de geneugten van het vlees, maar in het boek "Het vrouweneiland” zijn wij getuige van de ontwikkeling van een onweerstaanbare verslaving aan muntblaadjes (ook al is het resultaat van zijn ontwenningsverschijnselen een verhoging van zijn afkeer van het lichamelijke: hij verliest gewoon, het ene na het andere, al zijn lichaamsdelen tot hij een zwevende kop wordt).

Hij is een intellectueel, maar niet in staat om zijn emoties te bevatten.

In de loop van zijn avonturen over de hele wereld, onderneemt hij roekeloze acties, alleen om daarna te schreeuwen bang te zijn voor weerwolven of hoogtes.


Daarom ben ik ervan overtuigd dat Pierre Lasson niets anders is dan de mensheid zelf (of ten minste de mannelijke helft daarvan): ijdel, nieuwsgierig, laf, onzeker en toch ondernemend.

 

En wat ik geschreven heb klopt misschien niet, maar het is wel waar.*


*dit heb ik gestolen van Theo Maassen


PS: Bedankt aan Vitalski voor de correcties.

Serge

Il Belgio è considerato la patria del fumetto.

Ho un po’ di problemi con questa definizione. Il fumetto è una forma d’arte, non è che possa essere considerata “di proprietà” di una nazione. Non è che esiste “il paese della Musica” o quello “della Letteratura” o “del teatro”.

Alcuni paesi possono vantare di essere stati semmai la culla di una forma artistica. Il cinema è nato in Francia, l’Opera in Italia.

Il fumetto nasce ufficialmente negli Stati Uniti, anche se diversi esempi di proto-fumetti si ritrovano in Europa nel secolo precedente.

È anche vero che in alcuni periodi, alcuni paesi hanno vantare l’eccellenza in una data espressione artistica: la Russia e il romanzo nell’800, la Grecia e la scultura nel quinto e quarto secolo a.C., ma anche qui spesso si tratta di generalizzazioni a uso dei libri di storia.

Con tutto il rispetto e l’ammirazione per i vari Hergé, Peyo, Jacobs, Vandersteen, De Moor, Van Hamme e compagnia, credo che sia eccessivo parlare del Belgio come del paese dei più grandi fumetti di sempre (sarà anche questione di gusti).

Però è vero che in Belgio i fumetti sono considerati un patrimonio nazionale e i suoi autori degni di un posto nella storia della cultura del Novecento.

E questo è un bene.

Settimanali e quotidiani dedicano spazio alle uscite fumettistiche con recensioni e interviste, anche in rilievo e già da tempi non sospetti, ben prima che i Graphic Novels divenissero oggetto di interesse nelle fiere del libro tradizionali.

Non solo: questa attenzione per il medium non si limita campanilisticamente ai fumetti nazionali: in Belgio gli autori stranieri sono ugualmente apprezzati e spesso invitati per mostre e retrospettive.

Se mi si dovesse chiedere chi è il migliore autore di fumetti tout court attualmente attivo in questo illuminato paese, avrei qualche problema con la risposta.

Ma se mi si chiedesse chi sia il miglior disegnatore/illustratore, allora non esiterei a rispondere: Serge Baeken.

Serge (mi posso permettere di chiamarlo per nome, visto che mi degna della sua amicizia) è attivo principalmente come illustratore per quotidiani e periodici fiamminghi, e conta un numero relativamente piccolo di fumetti (di vedano i suoi titoli per i tipi della Bries e della x-TRA) ma la sua abilità ha pochi pari.

Le immagini che trovate in corredo all’articolo rendono solo in minima parte l’idea della versatilità di stili e tecniche di questo straordinario artista.

Una delle cose che preferisco in assoluto è vedere i suoi schizzi ed ex-tempore. La loro vitalità, l’espressività del tratto, la facilità con sui riesce a improvvisare una composizione, il puro e semplice piacere del disegno che traspare.

Serge è anche un ottimo coach. Non ho avuto la fortuna di averlo come docente e posso solo basarmi sui commenti e pareri espressi anche sul mio lavoro.

Forse i suoi incoraggiamenti e complimenti sono dettati più dalla gentilezza e dalla sua bontà di carattere, ma è sempre pronto a dare qualche buon consiglio.

Soprattutto ha una vasta familiarità con lo stile di numerosissimi artisti ed è sempre in grado di “collocare” una prova all’interno di una determinata scuola, cogliere le parentele genetiche di un disegno.

Serge ha accettato di buon grado il mio invito a fare da disegnatore ospite per il mio fumetto (restate sintonizzati per futuri aggiornamenti). Gli ho inviato una pagina di sceneggiatura che ora sta terminando.

Vi lascio con una piccola anteprima…

Purtroppo Serge non ha un vero e proprio sito e il suo blog sembra essere defunto. Si possono però trovare diversi esempi dei suoi schizzi su Scrollection.blogspot.be

Rude e Toth

http://conceptart.org/forums/showthread.php?p=1024328

http://www.lettersofnote.com/2010/12/fake.html

ugh.
Ho appena scovato questo documento. Un po’ di contesto è d’obbligo.
 Nel 1986 Steve Rude era un cartoonist trentenne conosciuto principalmente per il fumetto indipendente Nexus, creato con Mike Baron. A quanto pare, prima di presentare una sua proposta per una storia di Johnny Quest (un personaggio che Rude ha sempre amato), ha pensato di chiedere lumi ad uno dei suoi idoli: Alex Toth, fumettista e illustratore che tra le altre cosa ha creato graficamente i personaggi di Johnny Quest.
Toth ha un curriiculum nell’animazione altrettanto nutrito quanto nel fumetto, ed è una specie di  gigante dalla reputazione quasi ineguagliata tra i fumettisti. La sua abilità in ogni fase di produzione (layout, inchistrazione, lettering, character design), la sua inventiva ma soprattutto l’incredibile controllo della narrazione sono incredibili.
Toth però è anche un professionista che non ha conosciuto la fama di un Kirby, di uno Stan Lee o di un Frank Miller. Ha lavorato per anni a fumetti di genere (western, rosa, supereroi) senza che il suo nome fosse collegato a nessun personaggio specifico. Forse Zorro e l’eroe a cartoni animati Space Ghost.
Toth ha creato graficamente Torpedo, ma ha lasciato il progetto quasi immediatamente perché ne disapprovava il contenuto (fu sostituito degnamente da Bernet).
Può anche essere che nel 1986 Alex Toth , che non ha nascosto negli ultimi anni della sua vita un certo disprezzo per la piega adulta e drammatica che ha caratterizzato i supereroi da allora, fosse parzialmente risentito del successo ottenuto da prodotti realizzati da artisti che sembravano ignorare i canoni del fumetto tradizionale. Non solo, leggo dalla biografia di Toth, che egli stesso ha subito in gioventù critiche altrettanto definitive da parte di un suo editor.
Faccio questa personale considerazione perché la risposta (molto lunga e persino generosa in un certo senso) di Toth alle matite inviate da Rude è dura e spietata quant’altre mai.
A mitigarne l’apparente virulenza ci sono solo la lunghezza  (Toth avrebbe potuto essere più vago ma altrettanto cattivo) e la frase in cui dice che se non avesse visto del potenziale, non si sarebbe nemmeno degnato di rispondere.
L’onestà di Toth può essere brutale, ma sembra genuina. Non sembra voler infierire su Rude per scoraggiarlo, ma per inculcargli delle nozioni che gli sono care: studia, impara, sii chiaro, racconta una storia e così via.
Posso solo immaginare che io di fronte a un una risposta del genere, specie se arrivasse da qualcuno che ammiro, ne uscirei a pezzi.
Da fuori mi verrebbe da dire che forse Toth avrebbe potuto aggiungere qualche nota si cosa Rude ha fatto bene. Chissà, forse in un caso del genere bisogna anche imparare a prendere dalla critica ciò che ci serve, senza lasciarci abbattere e persino per rafforzare il nostro proposito nel voler uscire dagli schemi (magari cercando ci capire come si possono infrangere le regole facendo funzionare il racconto comunque).
Allo stesso tempo, chiunque ha bisogno di tanto in tanto, di fare un bagno di umiltà e rileggere questa lunga lettera e soprattutto il finale, può aiutarci a tenerci coi piedi per terra.

Federico

Chiara odia i Social Network. Odia i blog. Odia i fiumi di inchiostro (anche se elettronico) versati per dare voce anche a chi non ha nulla da dire.

Non gli piace sostituire le relazioni personali con le relazioni tramite mezzi computerizzati.

Detesta che si possa pensare di "partecipare" a una protesta semplicemente condividendo uno status su Facebook o una foto su Twitter.

La boutade al posto del contenuto.

Io rispetto molto l'opinione di Chiara. Temo perfino che possa avere ragione.

Solo che Chiara è un personaggio inventato da me.

È basata su una persona che conosco più su altre di cui ho solo letto o con le quali mi sono scritto, ma non "esiste".

Eppure per me è molto reale. Forse per questo è anche il personaggio più facile da scrivere.

Provo a spiegale perché potrebbe avere torto.

Anzitutto se non fosse stato per internet, i blog, i social network, lei non esisterebbe. Tutto il materiale che ho potuto consultare per creare la storia di cui lei fa parte è stato recuperato (od ordinato) via internet. Tutte le persone contattate sono state raggiunte perché rintracciabili sul www.

E va bé, dice Chiara, ma io non ce l'ho mica con la tecnologia. Ce l'ho con chi pensa che questa renda "amiche" persone che nemmeno si conoscono col nome proprio. Con chi pensa che un blogger sia un giornalista.

Permettimi di risponderti.

Se non avessi condiviso la mia passione per Zaffino sul mio blog, non avrei conosciuto una serie di persone poi via Facebook.

Tra queste persone c'è Federico. Non è (ancora) un mio grande amico. A parte commentare a vicenda i nostri post, non facciamo molto altro. Lo so che questo è proprio il tipo di relazione povera che critichi, ma aspetta, prima di giudicare.

Se non ci fosse stato Facebook, non avrei avuto con lui nemmeno questo superficiale rapporto.

Federico ha gusti eccellenti: gli piacciono tutti i nomi giusti: Alex Toth, Will Eisner, Jordi Bernet, Jorge Zaffino, Corrado Mastrantuono, Milton Caniff.

E ha solo 15 anni (penso di avere a che fare con un possibile ragazzo prodigio).

Così l'ho tirato in mezzo nel nostro progetto. Sì Chiara, nel NOSTRO, perché dentro ci sei anche tu.

Per ora il ragazzo è molto umile. Dice (e io gli credo) che si esercita molto. A giudicare dalle sue prove (poco importa se si tratta di copie) direi che è sulla strada giusta, no?

Trial and Error

Ho disegnato le prime sei pagine del mio fumetto, quello di cui parlo già dal 2009 e di cui non penso di aver ancora rivelato il titolo.

È giusto fare il punto della situazione.

Dunque, a cavallo tra dicembre 2008 e gennaio 2009 sviluppo un concept con Alessandro Ferrari. Doveva essere un fumetto di genere, una crime story. Magari resa più originale della media grazie a un maggiore realismo col quale si sarebbe ritratto il contesto: la criminalità organizzata siciliana.

Era il momento di Gomorra. Il film e il libro stavano ricevendo una grandissima copertura mediatica, così ho pensato che forse ci si poteva spostare dalla Sicilia alla Campania per pure considerazioni di expoitation.

Il problema con la criminalità organizzata ben radicata sul territorio nella fiction è trovare il modo di introdurre il conflitto. Una faida o guerra di mafia che dir si voglia non era l’idea migliore: troppo altro il rischio di romanticizzare il mondo criminale (Romeo e Giulietta a Scampia? No grazie).

Raccontare la lotta alla criminalità da parte della polizia e/o magistratura?

Nemmeno. Il paradigma Indiani contro Cowboy è ridicolo e falso. Forse si potrebbe raccontare la difficoltà di portare avanti indagini in un contesto del genere, ma questo andava a scapito della prospettiva criminale che si era scelta.

Un lampo mi attraversa la mante: gli africani. Secondo Saviano la comunità africana di Castel Volturno è stata l’unica ad essersi “movimentata” contro la Camorra.

A dire il vero questa è una semplificazione rifiutata da altri tra cui Sergio Nazzaro, che però non ascrive nemmeno la “rivolta di Castel Volturno” ad uno scontro tra criminali Nigeriani e camorristi.

Ad ogni modo mi resta il pallino: i Nigeriani. Una prospettiva straniera sul mondo del crimine organizzato Italiano. Sono sicuro che Alessandro adorerà l’idea.

E infatti è così. Propone subito, in parte ispirato dai reportages di Fabrizio Gatti, di raccontare la vita degli immigrati clandestini nel Sud.

Anche se questo rappresenta non pochi problemi (chi viene in Italia per lavorare, magari con mezzi di fortuna, ha di solito poco a che fare con gli ambienti criminali come la Mafia Nigeriana), ma permetterebbe di allargare lo sguardo a una serie più vasta di problemi, spesso interconnessi.

Ok, fanculo la crime story e il genere. Raccontiamo la realtà, per quanto attraverso una storia inventata.

Proprio in questo momento scopro The Wire, e mi convinco di poter tentare la strada della narrazione “epica”: molti personaggi, diverse trame interconnesse, la creazione di un affresco imponente.

Per due anni scrivo e leggo, prendo appunti, raccolgo articoli, maturo contatti e mi ritrovo con un canovaccio molto lungo per una storia di circa 400 pagine, davvero ingestibile.

Per complicarmi la vita licenzio Alessandro quando mi accorgo che in questo folle progetto sto proseguendo su una strada mia senza mai consultarmi con lui (lui stesso se ne era accorto da un pezzo).

Nell’estate 2012 ho in mano le prime cento pagine di sceneggiatura.

L’idea è di cominciare a disegnare con la prospettiva di pubblicare on line a episodi di due o tre pagine alla volta.

Finalmente ho finito le prime sei .

E mi accorgo che ho sbagliato un sacco di cose.

Non solo in quelle sei pagine, ma in generale: ho fatto un bel po’ di scelte discutibili o deboli.

PAgo lo scotto di essermi imbarcato in un progetto troppo ambizioso in cui mi devo occupare di ogni aspetto, narrativo, stilistico e di ricerca.
Il modo in cui introduco i personaggi è debole o addirittura contraddice la loro personalità.

Anche lo storytelling visivo è zoppicante, alcuni salti tra una vingetta e la successiva sono poco chiari. Alcune scelte di prospettiva non aiutano il lettore a orientarsi nella scena.

Il dialogo cerca inutilmente di suonare naturalistico ma forse non è scorrevole.

Noproprio una Caporetto, ma nemmeno qualcosa di cui andare fieri.

Fare un fumetto tutto da solo richiede una varietà di competenze non indifferente: capacità di suscitare al curiosità di chi legge, chiarezza nell’esposizione (sia narrativa che visiva), sintesi, orecchio per il dialogo, saper distribuire le informazioni visive. Saper guidare l’occhio del lettore.

In sostanza sono tutti problemi di struttura, sia narrativa che visiva. Per meglio sviluppare queste capacità dovrei concentrarmi su piccole storie, per imparare a STRUTTURARE.

Con una storia lunga non so mai se il mancato disvelamento di una data informazione è una cosa buona (payoff sul lungo termine, maggiore realismo evitando di “far spiegare la storia ai personaggi”) o cattiva (il lettore non capisce nulla e si stufa a pagina 3).

Forse devo rivedere tutto.

E devo riscrivere Oniro come una serie di PICCOLE STORIE, concatenate s'intende, ma pensate come indipendenti. Ogni scena deve essere un’unità narrativa che al suo interno ha una introduzione uno svliluppo e una conclusione.

Dannazione.

Però non ho volgie di fermarmi, quindi mi sa che la pubblicazione online comincerà comunque.

Krypto...

ispirato a questo: