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Friday, 26 May 2023

Uncle Shin (sorry, this post è in Italiano)

Tempo fa ho pubblicato su questo blog alcuni schizzi raffiguranti vecchietti decrepiti dall'aria sinistra.
Erano una specie di riscaldamento per una breve storia che prima o poi conto di disegnare: un racconto nello stile dei vecchi fumetti della EC.




Una storia del genere richiede che si utilizzi il buon vecchio 'Zio Tibia'.
Ho ricercato informazioni su questo personaggio, nel tentativo di capire che origine ha avuto, ed ho così scoperto di aver sempre avuto le idee confuse circa la sua identità.

A mia discolpa posso dire che questa confusione non è dovuta alla mia pessima memoria, bensì alla strana vita editoriale, cinematografica e televisiva che Zio Tibia ha avuto in Italia.

Origini


Per chi non conoscesse la EC: è l'acronimo di Educational Comics e successivamente di Entertaining Comics, quando la missione "educativa" della casa editrice lasciò definitivamente il posto ad una diversa ragione sociale.

Nel gennaio del 1950 questo editore americano ha lanciato sul mercato The Crypt of Terror e The Vault of Horror, due serie antologiche che presentavano ad ogni numero una manciata di brevi storie del terrore.




I racconti erano a sé stanti, senza alcuna continuity (i fumetti Marvel di Lee/Kirby/Ditko & C. erano ancora al di là da venire) e non formavano una mitologia coerente. Unici trait d'union tra i racconti erano i grotteschi personaggi che comparivano nella prima e nell'ultima vignetta: the Crypt Keeper (il guardiano della cripta), the Old Witch (la vecchia strega) e the Vault Keeper (il guardiano dei sotterranei) che introducevano e commentavano, non senza sarcasmo o ironia, le vicende illustrate.

Anfitrione numero 1



The Crypt of Terror cambiò in seguito il proprio nome in Tales From The Crypt e con questo titolo resterà conosciuta e, come vedremo, onorata (l'esatto numero del cambio di testata non riesco a stabilirlo senza accesso agli albi originali degli anni '50)

Incoraggiato dal successo di queste antologie, Bill Gaines, editore capo, aggiunse nuovi titoli al proprio piano editoriale, come The Haunt of Fear e altre pubblicazioni sullo stesso modello, ma dedicate ad altri generi come la guerra, il crimine o la fantascienza (Two-Fisted Tales, Crime SuspenStories, Weird Science) senza contare quella che poi sarebbe diventata una rivista di culto: MAD - inizialmente chiamata Tales Calculated to Drive You Mad nello stile esuberante del suo ideatore Harvey Kurtzman.

L'insieme di talenti che Bill Gaines fu in grado di riunire fece di queste testate dei veri e propri gioielli editoriali, seppure sotto la guisa di luridi giornaletti di nessun valore; oltre al già citato Kurtzman basti aggiungere Jack Davis, Frank Frazetta, Wally Wood, Johnny Craig o Joe Orlando).

(nota: queste pubblicazioni all'epoca non approdarono mai in Italia, a conoscerle erano sopratutto amanti e storici del fumetto o conoscitori della cultura pop americana. Le prime traduzioni di queste serie sono apparse nel 1990 per le edizioni B.S.D. che però chiuse la collana dopo poche uscite.

I narratori


Non racconterò qui delle fortune e sfortune editoriali della EC (il clima censorio della metà degli anni '50 si tradusse nella chiusura forzata di quasi tutti i titoli delle EC, con l'esclusione dell'umoristico MAD) quello di cui voglio scrivere è la particolarità dell'uso dei "narratori" o anfitrioni in queste storie.

Scusate se la prendo da lontano. Il fatto è che da sempre noi esseri umani amiamo raccontare storie, o farcele raccontare, attorno al fuoco o illuminati dalla luce bluastra della tv in salotto; ancora di più amiamo quando queste storie ci spaventano.

Lo facciamo da così tanto tempo che oramai certi elementi del "racconto di paura", così come certe tecniche retoriche, si sono cristallizzati e codificati.
Alcuni esempi?
  • presentare la storia come realmente accaduta

  • arrivare a una conclusione sorprendente e inattesa

  • la presenza di una lezione morale, spesso esemplificata da un crudele contrappasso che attende per i protagonisti meno virtuosi

  • la presenza di un narratore o anfitrione (si vedano ad esempio televisive come Ai Confini della RealtàThriller o il programma di Vampira). 

Creepy, Eerie e l'editore Warren


Per circa un decennio la fortunata formula di Tales from the Crypt (storie brevi e sorprendenti  realizzate dalla crème degli autori di fumetti dell'epoca) non fu replicata.
Il mercato dei comic book nord-americano stava vivendo una trasformazione notevole. Uno dopo l'altro i vari generi come il fumetto rosa, western o di guerra, perdevano popolarità mentre la DC e sopratutto la Marvel fecero rinascere il genere supereroistico con vendite sempre più massicce.

Tuttavia, la crescente egemonia di questo genere finì per lasciare un vuoto per quegli amanti dei fumetti che poco si curavano di avventurieri in calzamaglia.

Ci pensò l'editore Warren con la sua rivista Creepy a raccogliere il testimone di Tales from the Crypt.



Redatta da Russ Jones e successivamente, per un lungo e fortunato periodo, da Archie Goodwin, Creepy nacque nel 1964, sfoggiando in copertina il proprio "parsonaggio narrante", vera e propria mascotte della rivista: Uncle Creepy (solo io sento un'assonanza tra Uncle Creepy e Crypt Keeper?)

Anfitrione numero 2


Nel 1965 Warren affianca a Creepy una rivista gemella: Eerie dove a fare da cerimoniere questa volta è un nuovo personaggio, Cousin Eerie (nome non particolarmente fantasioso, devo ammettere).

Anfitrione numero 3


L'atteggiamento sardonico e l'aspetto tetro dei personaggi è chiaramente una variazione sui vecchi narratori della EC comics. Si potrebbe chiamare un omaggio. Ma come abbiamo detto, l'uso di un tetro narratore per questo tipo di storie è un vero e proprio cliché consolidato.

Dovendo raccontare una storia del terrore, non amiamo anche noi illuminare il nostro viso dal basso e fare una voce gracchiante?

Molti illustri professionisti del mondo del fumetto, come Mark Chiarello, sono convinti che Creepy e Eerie siano state tra le riviste a fumetti di più alto livello mai prodotte, il che non sorprende, visti i nomi degli autori coinvolti: oltre a dei veterani di Tales come Davis o Candrall Reed, si trovano giganti come Alex Toth, Al Williamson o Howard Chaykin.

Creepy e Eerie sembrano anche aver coinciso con una crescente popolarità e rilevanza del genere horror al cinema, si pensi alle pellicole della casa di produzione inglese Hammer, o alla nascita dell'horror italiano che conoscerà una vera e propria fioritura creativa per il decennio seguente.

Così come la cronaca nera e le pubblicazioni scandalistiche, il crimine e l'horror sono sempre stati generi di facile presa, da Diabolik fino a Dylan Dog, passando da Satanik, l'horror o le serie 'nere' hanno conosciuto crescenti picchi di popolarità anche in Italia.

Forse anche per questo Arnoldo Mondadori (editore 'di libri' che però grazie al disneyano Topolino ha ricoperto un importante ruolo come editore di fumetti) decise di proporre in Italia per primo le storie della Warren.

Il 14 luglio 1969 uscì, per la prestigiosa collana Oscar Mondadori, guidata all'epoca da Mario Spagnol, Le Spiacevoli Notti di Zio Tibia (n. 221), seguito da Zio Tibia Colpisce Ancora (n. 305, del 4 luglio 1972) e infine da Mezzanotte con Zio Tibia (Oscar Mondadori n. 401, del 29 maggio 1974).




(quante bestie ha zio tibia -ia -ia -o)


La traduzione del primo volume fu a cura di Lydia Lax, a cui, in assenza di fonti migliori, devo attribuire l'indovinata traduzione di Uncle Creepy in Zio Tibia.

Cousin Eerie invece, per restare in tema 'osseo', diventò Astragalo, come l'osso del piede che si trova proprio sotto la tibia.

Al momento non so dire se tra gli anni '70 e gli anni '90 in Italia, altre storie della Warren possano aver visto luce altrove che nei sopracitati volumi, di cui il primo è stato recentemente ristampato.

Sangue a fiotti


Purtroppo, a perdere sangue tra gli anni '70 e la fine del secolo, più che le vittime degli efferati delitti di carta, fu l'editoria in genere, con una continua emorragia di lettori.
Complice anche un'inflazione galoppante dei costi di stampa, molte iniziative editoriali non sono riuscite a durare molto, nonostante l'Italia fosse e sia tutt'ora un paese dove le tirature fumettistiche restano piuttosto elevate rispetto alla media di altri paesi.

A proporre le store della Warren ci hanno pensato riviste della Max Bunker press, o riviste come L'Eternauta, Comic ArtHorror, almeno finché Eerie e Creepy non hanno chiuso i battenti negli anni '80.
Ma se il fumetto (d'orrore o meno) vedeva diminuire la sua popolarità, l'horror come genere era tutt'altro che defunto.

The Horror Picture Show


Penso di non dire una stupidaggine affermando che il principale motore della super-popolarità dell'horror, a partire dagli anni 80, è stato il cinema (e forse i romanzi di Stephen King?)


Non un grande successo, ma doveroso da menzionare in questo contesto, è Tales from the Crypt, un film a episodi che riproponeva abbastanza fedelmente alcune delle storie dai vecchi EC. Diretto da Freddie Francis (noto anche come spettacolare direttore della fotografia) per la inglese Amicus Production. 

Anche qui troviamo un 'crypt keeper' (questo il suo nome nei credits), che però non ricorda fisicamente quello dei fumetti e che nel film non si presenta mai come tale.

Anfitrione numero 4 (risparmiamo sul make-up)



Le cose cominciano a confondersi quando due numi tutelari dell'ascesa dell'horror ci mettono lo zampino: nientepopodimeno che Stephen King e George Romero.

I due infatti uniscono le forze nel 1982 per produrre Creepshow, un film antologico nella stessa vena di Tales from the Crypt e dichiaratissimo omaggio ai fumetti EC.

Anche in questo film non si rinuncia a un dispositivo-cornice a fare da collante tra i diversi episodi del film e anche qui incontriamo un narratore: The Creep, che compare dapprima sotto forma di pupazzo (a dire il vero assai poco mobile) per poi trasformarsi in un cartone animato.


Anfitrione numero 5


E quando l'estro "traduttivo" italiano ci si mette di mezzo ecco che the Creep (parola intraducibile che vuol dire allo stesso tempo qualcuno di sinistro, sospetto, strambo ma anche sfigato) diventa Zio Creepy, dunque di fatto un omonimo del personaggio della Warren.

Nel sequel Creepshow 2 (1987) il personaggio sarà interpretato da un irriconoscibile Tom Savini in uno dei suoi efficaci make-up.



Nel corso degli anni '80 film come A Nightmare on Elm Street o Venerdì 13, oltre a generare lunghe liste di sequel, diventano film popolari non solo tra gli appassionati del genere, ma veri e propri fenomeni di cultura pop. Dylan Dog (in controtendenza con il resto dell'editoria di fumetti) vede aumentare la propria tiratura numero dopo numero.

E proprio per assecondare l'arrivo dell'horror nella cultura mainstream, nel 1989, sull'emittente Italia 1 (proprietà di Silvio Berlusconi) debutta Zio Tibia, una trasmissione contenitore per film o telefilm dell'orrore.

Negli intermezzi prima dei film o tra le interruzioni pubblicitarie, questo pupazzone (animato maluccio, tra l'altro) si produce in una serie di freddure e giochi di parole che uniscono l'orrido alla commedia. Difficile capire se si tratti di un mero "omaggio" alla controparte fumettistica (ha un aspetto decisamente diverso) da cui prende in prestito il nome, o se invece sia inteso come un "adattamento ufficiale" del personaggio della Warren.

E non è solo, a fare da spalla anche un secondo pupazzo, chiamato Astragalo, proprio come Cousin Eerie nella sua versione italiana (ma anche qui: il nome è l'unica somiglianza)

A dire il vero la formula ricorda più che altro il già citato show di Vampira.

Anfitrioni numero 6 e 7


Vien da chiedersi se Italia 1 o i produttori del programma abbiano pagato i diritti per l'uso dei personaggi, o se forse non sia servito, giacché gli autori hanno fatto solo uso dei nomi italiani, così come tradotti da Mondadori (nel frattempo divenuta di Berlusconi anch'essa).

Ad ogni modo, sorvolando sulla qualità di questi interstiziali o sulla liceità nell'uso dei nomi (sull'utilizzo della formula c'è poco da dire, come abbiamo visto è un punto fermo del genere) questo è il programma grazie al quale ho fatto la mia personale conoscenza con Zio Tibia.

Ma la cosa più curiosa è il coincidere dell'apparizione italiana di Zio Tibia con il lancio di una trasmissione americana, solo un mese prima: il 10 giugno 1989 sul canale via cavo HBO, è andato in onda il primo episodio di una serie horror. Non una trasmissione contenitore, ma una vera e propria serie TV. Antologica. Si chiama Tales From the Crypt.
E ad aprire ogni puntata ci pensa un narratore.

Un narratore pupazzo:

The Crypt Keeper.

Anfitrione numero 8


Come già per l'omonimo film di Freddie Francis, molti episodi della serie sono adattamenti di  storie pubblicate dalla EC.
La contemporaneità della serie americana con il programma interstiziale su Italia 1 potrebbe benissimo essere stata una coincidenza: come già osservato, l'horror ha conosciuto una continua crescita di popolarità per tutti gli anni '80.
Solo che quando la serie HBO arriva in Italia, Crypt Keeper prende il nome di... Zio Tibia.


È possibile che chi ha tradotto la serie non sapesse distinguere tra i due personaggi, oppure che abbia voluto creare una continuità laddove non c'era per sfruttare il possibile ricordo che il pubblico italiano aveva con il personaggio della Warren e di Italia 1...

E così, per lo meno in Italia, i due personaggi sono diventati essenzialmente la stessa cosa.

Niente per cui strapparsi le vesti, per carità, ci sono destini peggiori, ma per lo storico che cerca di mettere le cose in fila si tratta di una piccolo garbuglio che sono contento di essere riuscito a sciogliere.


PS: Per la redazione finale di questo post, mi sono affidato tra le altre fonti, a questo articolo del 2007; accreditato ad un certo 'Undying': La storia di Zio Tibia (riordinando la cripta) | il Davinotti




Monday, 12 April 2021

A note from 2019...

I recently happened to find a copy of the old Belgian magazine (A suivre) (which means "To be continued") laying around in a chalet we rented for a week end in the Ardennes.

Most of the material in it I knew: Schuiten & Peeters, Manara & Pratt, Tardi... all first rate creators.

I started to think about anthology titles from different countries, things like Eerie, Creepy, MadTomorrow Stories (U.S.A.) Star Magazine, Hyperion, Comic Art, Linus, Horror, Frigidaire (Italy) Shoenen Jump (Japan), 2000 AD, Warrior (U.K.), not to mention that an awful lot of American comic book titles later known for showcasing one superhero, originally started as anthologies: Action Comics, Detective Comics, Amazing Adult Fantasy, Tales of Suspence...

The immediate feeling was one of longing: I missed the times when quality content could be showcased like hits on a radio station in an editorial format that allowed, from time to time, the introduction of new creators, stories, styles or characters alongside the more popular ones.

To me this is a formula that facilitates the grooming new talent.
Sprinkle a bit of editorial content in it (a letters column, an op ed piece, some reviews) and you can really 'build' an inforemd readership and even create a platform for the medium.

Yet anthology titles have mostly disappeared, together with newsstand distribution.

Why the lack of success?

Well, I suppose that we can partially ascribe it to the decline of printed media in general, but the majority of anthologies was discontinued long before that
One happy exception would be Walt Disney's italian weekly Topolino, still continuing an illustrious run, although it belongs to a category of its own and the circulation numbers of today, while still enviable, are but a portion of what they were thirty yearg ago.

However, I do not want to surrender to a pessimistic narrative, according to which things only get worse.

Yes, there are many things about the past I miss, but I'm afraid that my perspective is somewhat distorted, exactly because I keep using the wrong parameters to judge the current state of affairs.



Tuesday, 11 September 2012

The Ultimate Zaffino Post




Any one of these problems requires real work and skill to resolve satisfactorily. Zaffino at his best could handle them all and make the effort invisible, freeing the reader to get lost in the story. His technique changed over time, growing more impressionistic, but he always seemed particularly interested in creating brooding moods and capturing remarkable subtleties of light and shadow. He'd create dense lattices of cross-hatching out of the most apparently casual lines, slapped down across his forms, lighting his figures in a way I'd never seen in comics before. The technique looked maniacal in flat reproduction. God only knows what the originals must have looked like.

Steve Lieber

His work does not instruct, it questions.
John Paul Leon






It was 1994 or 1995.
I was a teenager and I liked comic books, especially superhero comics.

I purchased a past issue of Star Magazine, a monthly anthology title consisting exclusively of Marvel stories.

My attention was all for Spiderman: Sub-City by Todd McFarlane. The other “big” story published in the same issue was called Seven Block, written by Chuck Dixon, with art by Jorge Zaffino.
It didn’t look like my cup of tea. There were no superheroes in it.(1)

I’m thirty-two now. I still read and enjoy comic books. My tastes have changed a bit, though.

First influences


Jorge Zaffino was born on June the 13th, 1957 in Buenos Aires, where he lived for the remainder of his life.


His father Jose Zaffino was an art instructor at the Pitman Academy.

It was him who enrolled Jorge in private group art classes taught by renowned Argentine art instructor Julio Juaregui and it was again his father who got him under the wing of brothers Enrique and Ricardo Villagran, in whose studio he initially worked as an unpaid assistant, at the early age of 16.

Magazines such as Creepy and Eerie, considered by many cartoonists to be the finest anthologies ever produced, introduced young Jorge to the works of artists like Alex Toth, Gene Colan and Frank Frazzetta.

Among his favourite artists there would be Hal Foster and Milton Caniff and laterin life expressed his admiration for the italian Sergio Toppi (it is also clear he was familiar with the work of Alberto Breccia and Hugo Pratt).

But the true role models for him where Cezanne, Howard Pyle, Rembrandt, Vermeer, Caravaggio and Velazquez.

  
He was almost obsessed by the way light interacts with the objects. He would copy hundreds of Rembrandts in order to figure out how it works.
Gerardo Zaffino.




Apprenticeship


After a year of washing brushes and erasing pencils for the 
Villagran brothers he got his first shot at drawing for the studio, doing pencils and background art and his output quickly earned him the appreciation of his fellow studio artists.

At 19 he was already producing work for Argentina's comic publishers serving as an artist for series like Nippur de Lagash, Tierra de Elfos, and Wolf. Hi style knew a remarkable evolution

 
(note the evolution between the pages left to right)

the chance for a breakthrough In the early 1980s, when Ricardo Villagran travelled to the US and brought along a few art samples by the studio artists to shop around.


In one of these occasions Chuck Dixon envisioned Jorge’s work for the first time.

I only saw a couple of portfolio pieces and a hadful of pages from an Argentie comic story, but their effect on me was immediate.
I wanted to work with this guy.
I had to work with this guy.
Chuck Dixon


Dylan Williams, who wrote an essential piece on Zaffino for The Comic Journal in 2002, tells that “Zaffino visited Dixon in America, using money he had saved from his studio work and from a series of children's book illustrations done for friends.”

This detail might seem incidental, but its inclusion suggests that affording that trip wasn’t easy and conjures up the sympathetic image of a very modest; working-class kind of fellow.

Zaffino en Dixon eventually got to work together on the three-issue series Winterworld, published by Eclipse in 1987. 
It would not go unnoticed.




American Breakthrough


During this period, I was working to turn the Punisher into a major leading character. One of the Punisher projects I had in the works was a graphic novel written by Jo Duffy. The Punisher character and Jo's script seemed like good matches for Jorge's dramatic and moody style. Jorge teamed up with Jo and the result was the very successful Assassins Guild graphic novel. Jorge's work was brilliant. I remember being blown away whenever Jorge mailed in a new batch of pages. Other editors and artists would sometimes visit my office and dig into the flat files to get a look at Jorge's latest work.
 Carl Potts 


After Assassins GuildZaffino teamed up again with Dixon on a second Punisher graphic novel, Kingdom Gone, in 1990. 



His career in the US would continue with the Marvel Series Critical Mass, where Zaffino and other artists illustrated the scripts by writer Dan Chichester.

Zaffino developed elements in his style which were already surfacing in Kingdom Gone: he dismissed his detailed cross-hatching in favor of bolder, only deceptively casual-looking patches of black.

"I think Toth always fed his simplicity," said Jorge's son Gerardo in an interview: "Although he covered the pages with lines, the composition was very simple. I remember watching his pencils and saying, 'Hey, when are you going to finish them?”

A taste of this “looser“ style can be found in projects like Hoover (with Carlos Trillo), Hellraiser, the Conan story The Horned God, and Seven Block, (these last two once more with Dixon)








Seven Block (a 45-page one-shot for Epic, the creator-owned imprint of Marvel Comics) especially stands out. Helped by Dixon's incredibly tight and lean script, Zaffino manages to create a sense of dread throughout the piece with a fearless use of blacks.

A style so stark that, when I first saw the artwork on the pages of Star Magazine, I did not like it.
I skipped reading Seven Block entirely and actually did not pick it up it for another year or two.
It wasn’t a super hero story; it utilized a palette of intense colors and was too dark, too realistic. It almost looked like the art was Xeroxed several times: gritty, rough and black.

I liked bright colored comic books where heroes where clearly defined.


Though I wasn’t that keen on the then popular  “Image” style and preferring artists like John Byrne, Neal Adams, John Romita Sr., Kevin Maguire or Mike Zeck, Jorge was another category to me.

At the top of his game



His work displayed a raw power that is unmatched. He was like Joe Kubert in that you can see his 'hand' in the work. What seems like delicate and deliberate line work in reproduction would be revealed, on close inspection of the pages, as brutal and varied ink lines that looked as though they were thrown down casually. But they weren't. Jorge worked hard to achieve that look of spontaneity. Often he would finish an entire sequence only to tear it up and start over again.
 Chuck Dixon

This is the kind of quote that works very well, but that I often take with a grain of salt.
It seems to adhere too much to the stereotypical portrait of the struggling artist. In reality not many of them, when working on deadlines, can afford that kind of integrity and trash an entire sequence.
Still, I believe Dixon is no liar here. Especially if you compare the early stuff Zaffino produced with his later art, the evolution is staggering. Jorge Zaffino clearly worked, and worked hard. The kind of sensibility his son and peers describe is clearly the one of someone CARING very much about his art.
It seems to me (and that is why I feel a particular affinity with him) that he considered every panel, every illustration as a challenge: “How do I render this?”

Artist working with a “realistic” style have to face this kind of issues: how do I get it RIGHT? How to I suggest this texture, this movement, this light? And how do I do it using only black and white?

And on top of that, there is storytelling: body language, facial expressions, clarity in composition and blocking of the scenes. Maybe is because of this that Jorge thought of himself more as an Illustrator, because he was trying to resolve a stylistic enigma first.

Basically do not consider myself a storyteller. I can give you names of guys who are, such as "Lito" Fernandez, Altuna, Frank Szilagyi. They enjoy the genre and are narrators. Because cartooning is not about nice drawings, it's about telling a story. [For me] is rather a matter of creating an atmosphere than tell a story.
Jorge Zaffino

But in spite of what Jorge used to say about his style, I believe he had an uncommon eye for composition (the balance in many of his pages is worth being studied) and an amazing storytelling craft: what happens is very clear on the page.



Bad Timing


As the 1990s proceeded, Zaffino got himself a place within the mainstream American scene, working on the ongoing series Terror Inc. for Marvel. Zaffino began the series at the height of his ability. Though his skills never wavered, his work had changed by the seventh issue.

Dixon attributes that to the monthly deadlines “Jorge wasn't built for”, while his son explains the troubles were of a more personal nature.

He spent time reflecting on his art and his personal life. "Jorge had not been well for many years, as he suffered from a persistent depression which is the reason for his producing so very little work these last years," said fellow Argentine comic artist Quique Alcatena to Comicon.com's Splash.


"This perhaps excessive professionalism brought him into conflict with deadline-minded editors, and Jorge got fewer and fewer jobs. Moreover, he was in a search for utter simplicity and synthesis in his line - he reneged from the more elaborate work he produced in the late '80s as being too cross-hatched, a fact which did not fail to earn his peers' applause, but which did not make him reader-friendly."

To some degree he couldn’t have chosen a worse period to enter the American market. The nineties were dominated by people like Jim Lee, Todd McFarlane, Rob Liefeld. It seems that the American teenagers wanted only splash pages and in-your-face gonzo action.

Even I did not like the art at first!

It is interesting the way I changed my opinion.

It was 1997. I was sixteen. I was attending Art school and by that time my taste in literature and comics was changing.

I used to play a role-playing game with some friends, called Cyberpunk 2020. The stories took place in a dystopian urban future, a cocktail that blended the apocalyptic visions of the approaching century from authors like Philip K. Dick, Williams Gibson, Rod Sterling, and movies like Blade Runner, Mad Max, Escape from N.Y., Soylent Green, The Terminator, as well as mangas and/or animes like AkiraThe Ghost in the Shell with some Pulp Fiction and The X-Files thrown in for good measure.

The game master's story arcs and ideas, combined with our style of playing (we were keener on acting than on rolling multi-faceted dices to see who would win a fight) made me think that, if put down on paper, our adventures would be really fun to read.

The gruesome resolution to a very tense scene we played one day had potential for a great comic book moment. and I decided to make a comic book out of our adventures (or at least attempt to).

Because of that, I had to figure out what the art would look like.

I went through my comic books collection l
ooking for references,and that creepy looking Seven Block came to mind. Even though I didn’t never really read that story until then, those panels had somehow grown on me.

I slipped the magazine out of the shelf and digged in to it.

And boy, was I mistaken the first time around!


The art was simply beautiful. Probably it had to do with me being an art student by then. Having to deal daily with drawing from life, I was finally able to see what Jorge Zaffino was doing with his rough, sketchy style.

What stroke me was that compared to a lot of other argentinian or italian artists who drew with a similar "impressionist" technique (i think of 
 (Hugo Pratt and Ivo Milazzo) where the shapes are defined by shadows and light rather than by lines, Zaffino had a "solidity" a sense of mass I usually did not associate with this style.

The only fair equivalents I could find were John Buscema (when he did Conan) and maybe Alberto Breccia, but both were a lot more "baroque", or Tanino Liberatore who (in my opinion) is a lot less skilled in composition and storytelling.

(Do not get me wrong, I love all of the above and I think they all are great artists, but on some lenghts Zaffino seemed to beat them all -still in my opinion)

Jorge had it all: a solid classic background, knowledge of anatomy and a fresh style, not caged by pointless nice artistic gestures.

"Retirement"




UBy the end of the 1990s, Zaffino was focusing more on his painting and essentially left the US mainstream scene, illustrating books published in Argentina.

His last little story for the American market (once again by Chuck Dixon) was an 8-page jewel for the short lived Batman Black and White anthology.

Here Batman and a never-so-beautifully-drawn Commissioner Gordon look new and classic at the same time. He capture them in realistic poses, without taking the magic away from them. A trick only David Mazzucchelli managed to succeed with in Batman: Year One.



Jorge died of a heart attack on July 12 2002.

I was struggling with how to turn my thinking into strictly black and white. How to create depth? How to render the form on an object or figure? Studying Zaffino's work aided me in ways I will always appreciate. He answered many of my questions, and started me on asking new ones.


Tommy Lee Edwards

This is a late tribute to an artist's artist. Someone who may be shamefully forgotten because of his (relatively) small body of work, but who has left nonetheless a long lasting impression on a lot of other artists, many of which he never met.
I discovered a handful of fellow Italians (respected professionals like Gigi Cavenago, Roberto Zaghi among others) who have the same reverence for him.

Because of the stature of Zaffino among “connoisseurs” and the scarcity of originals, it is not that easy to find originals to buy and apparently those who possess one wouldn’t give it away.

I wanted to write longer and touch on every aspect of his art, but there are at least two good reasons not to do so:

1) There are some very good posts about the artists by other bloggers/reporters/artists worth reading that examine different facets of his art.


2) If a picture is worth a thousand words, then this gallery can count for millions. Enjoy the work of the man himself instead of reading my attempt to describe it.

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(1): Time did justice: I regard now Sub-City as one of the dumbest things I've ever read. Worse even than MacFarlane's debut as a writer: Torment, where at least he tried to create a style and to a convey sense of, well, torment.