Zibaldone - Part 9 (Vitalski Special)

 

The principles of comic book drawing - Introduction

Introduction

I'm very fond of animation, the artform of creating the illusion of movement and life from inanimate drawings or objects. I wouldn’t call myself a student of animation history or its craft; I haven’t read enough books or essays, nor have I seen nearly enough films to pretend I’m any sort of historian. I’ve also never taken an animation class. But I do have a passion that keeps pulling me back into the subject as regularly and as deeply as I can manage.
Inspired by the 12 principles of animation laid out by Ollie Johnston and Frank Thomas in their seminal The Illusion of Life, I thought it could be fun — and maybe instructive — to attempt something similar for another artform: comics, and more specifically, comic book art.
Comics — or cartooning as a whole — is a broad discipline. In my view, it includes everything, even the parts that relate directly to writing.
Just like Frank and Ollie’s twelve principles deal with the craft of animation and not with filmmaking as a whole, the principles I’m exploring here are meant specifically for comic book artists.
No writing theory, no character design, no grand grammar of comics. The focus is purely on what makes comic art effective, just as Frank and Ollie focused on what makes animation effective without detouring into editing or cinematography.

(A quick interjection: despite having zero personal connection to Frank or Ollie — nor their families or acquaintances — I cannot bring myself to call them “Johnston and Thomas.” There is so much affection for these two gentlemen in the animation community that calling them by their surnames feels pompous and weirdly academic.)

Now, back to the principles.
I think of Frank and Ollie’s list almost like a cheat sheet — something to measure the effectiveness and quality of a piece of character animation against.
Can we find an equivalent set of guiding principles for comic book art?

As I’m writing this, I’m not sure the list I have in mind is definitive. I can’t even rank the items in order of importance, and maybe that isn’t necessary anyway.

The list reds like this:

1. Consistency
2. Staging
3. Framing
4. Exaggeration
5. Posing
6. Expressions
7. Timing / breakdowns
8. Appeal
9. Word count
10. Characterization
11. Readability / clarity
12. Extra rules (umbilical balloons; crossing pipes; tangents)

But before diving in, I want to share what is possibly the most succinct job description for a comic book artist, something deserving to be written on a 3×5 card and pinned to the wall above your drawing board:

A cartoonist should be able to draw practically anything — and possibly well.

That’s the baseline.

Next time we'll explore the first principle with some examples

Some clarifications

Almost every cartoonist, writer, editor, or art director working in sequential art will tell you the same thing: STORYTELLING comes first. Comics are NOT about pretty pictures or showing off your virtuosity. They’re about telling the story clearly, effectively and emotionally.
That said, it’s absurd to pretend drawing skills are somehow secondary. The level of proficiency may vary and “lesser” artists can still be incredible storytellers, but drawing still has to come with some degree of facility.

Zibaldone - part 9

Uncle Shin (sorry, this post è in Italiano)

Tempo fa ho pubblicato su questo blog alcuni schizzi raffiguranti vecchietti decrepiti dall'aria sinistra.

Erano una specie di riscaldamento per una breve storia che prima o poi conto di disegnare: un racconto nello stile dei vecchi fumetti della EC.

Una storia del genere richiede che si utilizzi il buon vecchio 'Zio Tibia'.

Ho ricercato informazioni su questo personaggio, nel tentativo di capire che origine ha avuto, ed ho così scoperto di aver sempre avuto le idee confuse circa la sua identità.

A mia discolpa posso dire che questa confusione non è dovuta alla mia pessima memoria, bensì alla strana vita editoriale, cinematografica e televisiva che Zio Tibia ha avuto in Italia.

Origini

Per chi non conoscesse la EC: è l'acronimo di Educational Comics e successivamente di Entertaining Comics, quando la missione "educativa" della casa editrice lasciò definitivamente il posto ad una diversa ragione sociale.

Nel gennaio del 1950 questo editore americano ha lanciato sul mercato The Crypt of Terror e The Vault of Horror, due serie antologiche che presentavano ad ogni numero una manciata di brevi storie del terrore.

I racconti erano a sé stanti, senza alcuna continuity (i fumetti Marvel di Lee/Kirby/Ditko & C. erano ancora al di là da venire) e non formavano una mitologia coerente. Unici trait d'union tra i racconti erano i grotteschi personaggi che comparivano nella prima e nell'ultima vignetta: the Crypt Keeper (il guardiano della cripta), the Old Witch (la vecchia strega) e the Vault Keeper (il guardiano dei sotterranei) che introducevano e commentavano, non senza sarcasmo o ironia, le vicende illustrate.

Anfitrione numero 1

The Crypt of Terror cambiò in seguito il proprio nome in Tales From The Crypt e con questo titolo resterà conosciuta e, come vedremo, onorata (l'esatto numero del cambio di testata non riesco a stabilirlo senza accesso agli albi originali degli anni '50)

Incoraggiato dal successo di queste antologie, Bill Gaines, editore capo, aggiunse nuovi titoli al proprio piano editoriale, come The Haunt of Fear e altre pubblicazioni sullo stesso modello, ma dedicate ad altri generi come la guerra, il crimine o la fantascienza (Two-Fisted Tales, Crime SuspenStories, Weird Science) senza contare quella che poi sarebbe diventata una rivista di culto: MAD - inizialmente chiamata Tales Calculated to Drive You Mad nello stile esuberante del suo ideatore Harvey Kurtzman.

L'insieme di talenti che Bill Gaines fu in grado di riunire fece di queste testate dei veri e propri gioielli editoriali, seppure sotto la guisa di luridi giornaletti di nessun valore; oltre al già citato Kurtzman basti aggiungere Jack Davis, Frank Frazetta, Wally Wood, Johnny Craig o Joe Orlando).

(nota: queste pubblicazioni all'epoca non approdarono mai in Italia, a conoscerle erano sopratutto amanti e storici del fumetto o conoscitori della cultura pop americana. Le prime traduzioni di queste serie sono apparse nel 1990 per le edizioni B.S.D. che però chiuse la collana dopo poche uscite.

I narratori

Non racconterò qui delle fortune e sfortune editoriali della EC (il clima censorio della metà degli anni '50 si tradusse nella chiusura forzata di quasi tutti i titoli delle EC, con l'esclusione dell'umoristico MAD) quello di cui voglio scrivere è la particolarità dell'uso dei "narratori" o anfitrioni in queste storie.

Scusate se la prendo da lontano. Il fatto è che da sempre noi esseri umani amiamo raccontare storie, o farcele raccontare, attorno al fuoco o illuminati dalla luce bluastra della tv in salotto; ancora di più amiamo quando queste storie ci spaventano.

Lo facciamo da così tanto tempo che oramai certi elementi del "racconto di paura", così come certe tecniche retoriche, si sono cristallizzati e codificati.

Alcuni esempi?

• presentare la storia come realmente accaduta

• arrivare a una conclusione sorprendente e inattesa

• la presenza di una lezione morale, spesso esemplificata da un crudele contrappasso che attende per i protagonisti meno virtuosi

• la presenza di un narratore o anfitrione (si vedano ad esempio televisive come Ai Confini della Realtà, Thriller o il programma di Vampira). 

Creepy, Eerie e l'editore Warren

Per circa un decennio la fortunata formula di Tales from the Crypt (storie brevi e sorprendenti  realizzate dalla crème degli autori di fumetti dell'epoca) non fu replicata.

Il mercato dei comic book nord-americano stava vivendo una trasformazione notevole. Uno dopo l'altro i vari generi come il fumetto rosa, western o di guerra, perdevano popolarità mentre la DC e sopratutto la Marvel fecero rinascere il genere supereroistico con vendite sempre più massicce.

Tuttavia, la crescente egemonia di questo genere finì per lasciare un vuoto per quegli amanti dei fumetti che poco si curavano di avventurieri in calzamaglia.

Ci pensò l'editore Warren con la sua rivista Creepy a raccogliere il testimone di Tales from the Crypt.

Redatta da Russ Jones e successivamente, per un lungo e fortunato periodo, da Archie Goodwin, Creepy nacque nel 1964, sfoggiando in copertina il proprio "parsonaggio narrante", vera e propria mascotte della rivista: Uncle Creepy (solo io sento un'assonanza tra Uncle Creepy e Crypt Keeper?)

Anfitrione numero 2

Nel 1965 Warren affianca a Creepy una rivista gemella: Eerie dove a fare da cerimoniere questa volta è un nuovo personaggio, Cousin Eerie (nome non particolarmente fantasioso, devo ammettere).

Anfitrione numero 3

L'atteggiamento sardonico e l'aspetto tetro dei personaggi è chiaramente una variazione sui vecchi narratori della EC comics. Si potrebbe chiamare un omaggio. Ma come abbiamo detto, l'uso di un tetro narratore per questo tipo di storie è un vero e proprio cliché consolidato.

Dovendo raccontare una storia del terrore, non amiamo anche noi illuminare il nostro viso dal basso e fare una voce gracchiante?

Molti illustri professionisti del mondo del fumetto, come Mark Chiarello, sono convinti che Creepy e Eerie siano state tra le riviste a fumetti di più alto livello mai prodotte, il che non sorprende, visti i nomi degli autori coinvolti: oltre a dei veterani di Tales come Davis o Candrall Reed, si trovano giganti come Alex Toth, Al Williamson o Howard Chaykin.

Creepy e Eerie sembrano anche aver coinciso con una crescente popolarità e rilevanza del genere horror al cinema, si pensi alle pellicole della casa di produzione inglese Hammer, o alla nascita dell'horror italiano che conoscerà una vera e propria fioritura creativa per il decennio seguente.

Così come la cronaca nera e le pubblicazioni scandalistiche, il crimine e l'horror sono sempre stati generi di facile presa, da Diabolik fino a Dylan Dog, passando da Satanik, l'horror o le serie 'nere' hanno conosciuto crescenti picchi di popolarità anche in Italia.

Forse anche per questo Arnoldo Mondadori (editore 'di libri' che però grazie al disneyano Topolino ha ricoperto un importante ruolo come editore di fumetti) decise di proporre in Italia per primo le storie della Warren.

Il 14 luglio 1969 uscì, per la prestigiosa collana Oscar Mondadori, guidata all'epoca da Mario Spagnol, Le Spiacevoli Notti di Zio Tibia (n. 221), seguito da Zio Tibia Colpisce Ancora (n. 305, del 4 luglio 1972) e infine da Mezzanotte con Zio Tibia (Oscar Mondadori n. 401, del 29 maggio 1974).

(quante bestie ha zio tibia -ia -ia -o)

La traduzione del primo volume fu a cura di Lydia Lax, a cui, in assenza di fonti migliori, devo attribuire l'indovinata traduzione di Uncle Creepy in Zio Tibia.

Cousin Eerie invece, per restare in tema 'osseo', diventò Astragalo, come l'osso del piede che si trova proprio sotto la tibia.

Al momento non so dire se tra gli anni '70 e gli anni '90 in Italia, altre storie della Warren possano aver visto luce altrove che nei sopracitati volumi, di cui il primo è stato recentemente ristampato.

Sangue a fiotti

Purtroppo, a perdere sangue tra gli anni '70 e la fine del secolo, più che le vittime degli efferati delitti di carta, fu l'editoria in genere, con una continua emorragia di lettori.

Complice anche un'inflazione galoppante dei costi di stampa, molte iniziative editoriali non sono riuscite a durare molto, nonostante l'Italia fosse e sia tutt'ora un paese dove le tirature fumettistiche restano piuttosto elevate rispetto alla media di altri paesi.

A proporre le store della Warren ci hanno pensato riviste della Max Bunker press, o riviste come L'Eternauta, Comic Art o Horror, almeno finché Eerie e Creepy non hanno chiuso i battenti negli anni '80.

Ma se il fumetto (d'orrore o meno) vedeva diminuire la sua popolarità, l'horror come genere era tutt'altro che defunto.

The Horror Picture Show

Penso di non dire una stupidaggine affermando che il principale motore della super-popolarità dell'horror, a partire dagli anni 80, è stato il cinema (e forse i romanzi di Stephen King?)

Non un grande successo, ma doveroso da menzionare in questo contesto, è Tales from the Crypt, un film a episodi che riproponeva abbastanza fedelmente alcune delle storie dai vecchi EC. Diretto da Freddie Francis (noto anche come spettacolare direttore della fotografia) per la inglese Amicus Production. 

Anche qui troviamo un 'crypt keeper' (questo il suo nome nei credits), che però non ricorda fisicamente quello dei fumetti e che nel film non si presenta mai come tale.

Anfitrione numero 4 (risparmiamo sul make-up)

Le cose cominciano a confondersi quando due numi tutelari dell'ascesa dell'horror ci mettono lo zampino: nientepopodimeno che Stephen King e George Romero.

I due infatti uniscono le forze nel 1982 per produrre Creepshow, un film antologico nella stessa vena di Tales from the Crypt e dichiaratissimo omaggio ai fumetti EC.

Anche in questo film non si rinuncia a un dispositivo-cornice a fare da collante tra i diversi episodi del film e anche qui incontriamo un narratore: The Creep, che compare dapprima sotto forma di pupazzo (a dire il vero assai poco mobile) per poi trasformarsi in un cartone animato.

Anfitrione numero 5

E quando l'estro "traduttivo" italiano ci si mette di mezzo ecco che the Creep (parola intraducibile che vuol dire allo stesso tempo qualcuno di sinistro, sospetto, strambo ma anche sfigato) diventa Zio Creepy, dunque di fatto un omonimo del personaggio della Warren.

Nel sequel Creepshow 2 (1987) il personaggio sarà interpretato da un irriconoscibile Tom Savini in uno dei suoi efficaci make-up.

Nel corso degli anni '80 film come A Nightmare on Elm Street o Venerdì 13, oltre a generare lunghe liste di sequel, diventano film popolari non solo tra gli appassionati del genere, ma veri e propri fenomeni di cultura pop. Dylan Dog (in controtendenza con il resto dell'editoria di fumetti) vede aumentare la propria tiratura numero dopo numero.

E proprio per assecondare l'arrivo dell'horror nella cultura mainstream, nel 1989, sull'emittente Italia 1 (proprietà di Silvio Berlusconi) debutta Zio Tibia, una trasmissione contenitore per film o telefilm dell'orrore.

Negli intermezzi prima dei film o tra le interruzioni pubblicitarie, questo pupazzone (animato maluccio, tra l'altro) si produce in una serie di freddure e giochi di parole che uniscono l'orrido alla commedia. Difficile capire se si tratti di un mero "omaggio" alla controparte fumettistica (ha un aspetto decisamente diverso) da cui prende in prestito il nome, o se invece sia inteso come un "adattamento ufficiale" del personaggio della Warren.

E non è solo, a fare da spalla anche un secondo pupazzo, chiamato Astragalo, proprio come Cousin Eerie nella sua versione italiana (ma anche qui: il nome è l'unica somiglianza)

A dire il vero la formula ricorda più che altro il già citato show di Vampira.

Anfitrioni numero 6 e 7

Vien da chiedersi se Italia 1 o i produttori del programma abbiano pagato i diritti per l'uso dei personaggi, o se forse non sia servito, giacché gli autori hanno fatto solo uso dei nomi italiani, così come tradotti da Mondadori (nel frattempo divenuta di Berlusconi anch'essa).

Ad ogni modo, sorvolando sulla qualità di questi interstiziali o sulla liceità nell'uso dei nomi (sull'utilizzo della formula c'è poco da dire, come abbiamo visto è un punto fermo del genere) questo è il programma grazie al quale ho fatto la mia personale conoscenza con Zio Tibia.

Ma la cosa più curiosa è il coincidere dell'apparizione italiana di Zio Tibia con il lancio di una trasmissione americana, solo un mese prima: il 10 giugno 1989 sul canale via cavo HBO, è andato in onda il primo episodio di una serie horror. Non una trasmissione contenitore, ma una vera e propria serie TV. Antologica. Si chiama Tales From the Crypt.

E ad aprire ogni puntata ci pensa un narratore.

Un narratore pupazzo:

The Crypt Keeper.

Anfitrione numero 8

Come già per l'omonimo film di Freddie Francis, molti episodi della serie sono adattamenti di  storie pubblicate dalla EC.

La contemporaneità della serie americana con il programma interstiziale su Italia 1 potrebbe benissimo essere stata una coincidenza: come già osservato, l'horror ha conosciuto una continua crescita di popolarità per tutti gli anni '80.

Solo che quando la serie HBO arriva in Italia, Crypt Keeper prende il nome di... Zio Tibia.

È possibile che chi ha tradotto la serie non sapesse distinguere tra i due personaggi, oppure che abbia voluto creare una continuità laddove non c'era per sfruttare il possibile ricordo che il pubblico italiano aveva con il personaggio della Warren e di Italia 1...

E così, per lo meno in Italia, i due personaggi sono diventati essenzialmente la stessa cosa.

Niente per cui strapparsi le vesti, per carità, ci sono destini peggiori, ma per lo storico che cerca di mettere le cose in fila si tratta di una piccolo garbuglio che sono contento di essere riuscito a sciogliere.

Altre letture raccomandate:

https://reason.com/2005/06/01/the-long-gory-life-of-ec-comic-2/

https://www.eccomics.com/history

PS: Per la redazione finale di questo post, mi sono affidato tra le altre fonti, a questo articolo del 2007; accreditato ad un certo 'Undying': La storia di Zio Tibia (riordinando la cripta) | il Davinotti

One Lovely Drawing

I hope David Apatoff will excuse me for borrowing the title from one of his recurring series, but I wanted to share this.

This panel comes from The Name of the Game (this is the italian edition, called Le Regole del Gioco) one of Will Eisner's last graphic novels and, in my opinion, one of his most accomplished.

I used to be a Will Eisner enthusiast, as all lovers of comics should be at one point in their life.

I've always been aware of his place in the history of the medium: I was introduced to his works by anthologies or articles stressing the importance of his work, but more than the praise, what captured me was the appeal of his style in The Spirit: the noirish use of shadows, the weird angles, the use of depth and layers in a single panel...

The fact that he wrote, penciled and inked his own work, the fact that he started producing personal graphic novels at a relatively advanced age, his convinction about the artistic mertis of the form, all this made him a hero in my eyes.

Whenever I would have the chance, I'd introduce Eisner's comics to friends and aquitainces

I remember how my friend Taiyo and I both smiled knowingly when the character of Hogarth shows a Spirit comic to his alien friend in Brad Bird's The Iron Giant.

I even had a very brief email exhange with him once (he gave me very simple and sensible advice, which I should have taken).

With time though, my feelings towards both his work and his persona has become a little more complex.

I started noticing some flaws in his drawings, the writing would strike me as pedantic at times, I missed the more experimental stuff he used to do with The Spirit that he abandoned in his later work.

A bit of the childish admiration I had for him was eroded when I realized the Spirit stories, although fully under his control, were the product of a studio effort that counted other writers, pencilers, inkers, colorists and letterers (although I totally get why and besides, that was the common practice for all cartoonists working for daily newspapers).

I won't discuss here other more controversial aspects about Eisner (I will in a future post), but even after all this caveats, I must say that I still go back to his work every so often (and that I second the choice to name an important award after him).

His job was personal and littered with little gems like this one.

It's a simple drawing, a panel of little importance in the narrative (although it encapsulates a few of the themes of the graphic novel), but everying about it is appealing.

The two men nicely fill the panel, leaving the right amount of 'air' to accomodate the speech balloon.

The difference of physical stature is used effectively to stage the moment.

The style of their wardrobe quickly conveys both the characters' status and time-period

I love how stylized the Sydney's face is (he's the tall one on the left) providing a nice contrast with Conrad's exaggerated facial expression on the right.

All this in a minuscule, spontaneous drawing that probably did not take long to draw and that will be quickly glanced over in the time it takes to read the short dialogue.

Zibaldone - Part 8

Things I do for other people (but really, for myself as well)

Dopodiché (Zibaldone - part 7)

Zibaldone (Part 6)

It's nice to be working again on something, with two of my favourite collaborators, no less: Fulvio Vanacore and Don Vitalski.

If one of the fellows in the first picture looks familiar, that is absolutely intentional.

(I think I'll soon write a post about him)

In the mentime, professor Lasson is back, but he's not having fun apparenlty.

In this new adventure he already risked getting mauled by a wild animal, drowned in a river and impaled in a booby-trab

Jeff

Portrait of swimmer (and John Williams fan) Jeff Commings, with whom I've had the pleasure of hosting three episodes of The Baton podcast, available here:

https://thebatonpodcast.podbean.com/e/episode-24-story-of-a-woman/

https://thebatonpodcast.podbean.com/e/episode-62-the-witches-of-eastwick/

https://thebatonpodcast.podbean.com/e/episode-77-sabrina/

I really look up to Jeff: besides being a professional athlete (which is already commenadble for the discipline and dedication required, let alone the stamina) and a teacher, he's incredibly polite, articulated, intelligent, brave and entreprising.

Recommended reading:

Odd Man Out: An Autobiography

José Villarrubia: From a Colorist's Perspective

I know I just wrote only a few days ago that the less time we spend on social media, the better. I still stand by it, but I must also admit when people are using them right.

José Villarubia is one of those people.

My first encounter with this gentleman's work was on the pages of the ABC comic book line, written by Alan Moore (who else?).

He is an exeptionally talented artist, photographer and colorist and particularly in this last capacity he has made an incredible contribution to the field with his facebook posts about colors in comics.

I hope he'll manage to organize these into a lecture or an extensive article someday. For the time being, you can enjoy his insights via his Facebook photo album

From a Colorist's Perspective

In many of these posts he also tackles the issue of recoloring older comic books, which is a fascinating subject to me but also criminally neglected.

Well, ok, it's not a crime to ignore the subject, but how come there is a seizable awareness about the importance of preservation and presentation of film and music (with discussions about formats, supports, mastering techniques, accuracy) but almost none about comics?

¡Que viva José! then, who delivered possibly the first serious contribution to the field of comic book coloring studies.

Make sure you read his notes and all the comments, where the discussion gets juicy.

Zibaldone (part 5)

Zibaldone (Part 4)

This is actually a published work.

Portrait of Jos De Saeger, flemish politician.

While this next piece is an attempt to portray Sandy De Crescent (of whom very few pictures are publicly available and none of them is recent).

If you know her name, it's because you are either a relative, or you are a professional musician working in Los Angeles, or because (like me) you are a soundtrack fan, of the kind that read all the credits in the album sleeve or in the end credits of movie.

Ms. De Crescent is best known as an orechestra contractor, meaning she is the one responsible of putting together a studio orchestra lmade of freelancers.

If you are interested in the subject, check out her interview at thelegacyofjohnwilliams.com

Zibaldone (part 3)

Today's piece is a portrait of conductor Brett Mitchell.

Brett currently serves music director of the Colorado Symphony, and his resume is pretty impressive.

What put him on my radar was a podcast about the music of Star Wars, I've written about here.

Maurizio, who is currenlty doing a splendid job at thelegacyofjohnwilliams.com, got in touch with him, so we decided to present him with this tittle loving tribute.

Here's a couople of lovely video's of Brett playing John Williams on the piano

Zibaldone (Part 2)

"Zibaldone" is a term made famous by italian poet Giacomo Leopardi, who used it to name a collection of written notes, thoughts and reflections, kept for several years. It means "heap of things" and I like to use it as a placeholder for all my scribbles who I can't bother to better categorize.

The term was also used in the weekly (now monthly) sport magazine Guerin Sportivo for the 2-page spread dedicated to cartoons satyrizing the world of sports (it was the only section I used to read).

Thorugh the years I had different ideas about what this blog should be about, resisting the idea to turn it into a dump of personal art and thoughts because

1) I'm not particularly gifted as a writer,

2) nor as an artist;

3) I don't like vanity projects;

4) social media profiles seem better suited to that kind of simple 'content sharing'.

In a universe where I have little else to do, I'd love to produce longer pieces on topics that matter (at least to me) and leave a meaningful contribution, like i did here, here and here), but unforntunately I cannot afford that kind of time to spare.

But I don't want to discontinue this blog either, on the contrary : I'd like to revitalize it.

But lacking more substantial content, I think I'll go for the Zibaldone approach.

I do have heaps of pieces I wouldn't mind to share, and I'm not interested in using social media like Instagram or Facebook to do it  for a number of reasons among which:

1) The 'like' mechanism turns everything shared in a cry for attention while encouraging lazy interactions (rather than engage in commentary, people simply click on one option: Like, Love, Haha etc... also conforming to a very limited range of possible categories in reaction to something

2) Posting on social media platforms increase only the value of the company, but does not get me any piece of the pie. I suppose what I get in return are the services they offer, but although my personal contribution to the creation of value for Facebook or Instagram or whatever is of course absolutely marginal, still: I'm making money for them with my work.

3) Being active on social media is an invitation to other people to spend time there, which we all should do less.

ERGO

I'll just dump stuff here.

I hope you don't mind.

These are studies for a character in a story I'm currently working on. It's set in a Borneo-like environment, so I drew inspiration from this documentary:

and this is a piece of the final art

A note from 2019...

I recently happened to find a copy of the old Belgian magazine (A suivre) (which means "To be continued") laying around in a chalet we rented for a week end in the Ardennes.

Most of the material in it I knew: Schuiten & Peeters, Manara & Pratt, Tardi... all first rate creators.

I started to think about anthology titles from different countries, things like Eerie, Creepy, Mad, Tomorrow Stories (U.S.A.) Star Magazine, Hyperion, Comic Art, Linus, Horror, Frigidaire (Italy) Shoenen Jump (Japan), 2000 AD, Warrior (U.K.), not to mention that an awful lot of American comic book titles later known for showcasing one superhero, originally started as anthologies: Action Comics, Detective Comics, Amazing Adult Fantasy, Tales of Suspence...

The immediate feeling was one of longing: I missed the times when quality content could be showcased like hits on a radio station in an editorial format that allowed, from time to time, the introduction of new creators, stories, styles or characters alongside the more popular ones.

To me this is a formula that facilitates the grooming new talent.

Sprinkle a bit of editorial content in it (a letters column, an op ed piece, some reviews) and you can really 'build' an inforemd readership and even create a platform for the medium.

Yet anthology titles have mostly disappeared, together with newsstand distribution.

Why the lack of success?

Well, I suppose that we can partially ascribe it to the decline of printed media in general, but the majority of anthologies was discontinued long before that

One happy exception would be Walt Disney's italian weekly Topolino, still continuing an illustrious run, although it belongs to a category of its own and the circulation numbers of today, while still enviable, are but a portion of what they were thirty yearg ago.

However, I do not want to surrender to a pessimistic narrative, according to which things only get worse.

Yes, there are many things about the past I miss, but I'm afraid that my perspective is somewhat distorted, exactly because I keep using the wrong parameters to judge the current state of affairs.

Red Letter Mad

Quentin Tarantino's remarkable Once Upon a Time in Hollywood contains several nods to pieces of popular culture I hold dear: the lost art of movie posters, italian genre movies from the 70s, old western tv shows scored by people Jerry Goldsmith or Bernard Herrmann and, once again, comic books.

This time QT payed hommage to MAD Magazine, a seminal american publication influential to at least two generations of comedy writers, performers and of course cartoonists.

Watch Tarantino talking about it with late night show host Jimmy Kimmel (that part starts at the 6:35 mark):

For the movie, MAD veteran artist Tom Richmond created some wonderful illustrations.

This inspired me to create my little MAD Magazine homage, which is, at the same time, an hommage to Red Letter Media, a video/filmmaking company based in Milwakee, rised to Internet stardom in the last decade thanks to their witty, funny, insightful and irreverent video essays and review shows on YouTube.

I spend more time on YouTube than I care to admit, especially to have something to listen to whenever I do something which does not require much from the left side of my brain and for the last 10 years #RedLetterMedia put out consistently good content.

But more than that, their channel is essentially the YouTube version of a hang-out movie, as we feel like we got to know these people through their sarcastic yet laid-back attitude, their candor and the omnipresent corpsing and laughter.

Little did I know, while creating the piece, that DC Comics announced that it would cease the distribution of MAD Magazine in newsstands and grocery stores, marking the end of an era.

Ther Terminator vs. Ranxerox

In a recent conversation with czech comic book historian Pavel Korinek, we remarked how the field of comic book studies offers vast horizons for research; as opposed to other arts that have been endlessly analyzed and written over.

Up until now, comic book history and aesthetics have ben covered mostly by fans rather than academics (it's a gross over simplification, but it's true that the majority of in-depth books and articles about comic books have been written primarily by fans or insiders). 

And while fans and aficionados can be incredibly precise about certain details of their favorite subject matter, at the same time they do not apply rigorous standards when it comes to vet their sources.

The situation is anyway improving every year: there is more care, more substantial journalism, more academic research, and the possibility to cross-check information with a lot of ease thanks to the internet (although, the internet plays a major role in spreading inaccuracies as it does in divulgating knowledge).

One seminal publication for me was the italian Marvel anthology STAR MAGAZINE.

Alongside italian translations of Marvel Comics material, this magazine used to cover many aspects of the medium in reviews, retrospectives or interviews (and to the magazine's credit, not only focusing in about Marvel stuff).

Those columns were like a primer for my interest in comic book history.

However I had to recently think about one specific bit of information found in the article "Cinema & Comicworld" from STAR MAGAZINE issue 22, July 1992 (page 91):

"James Cameron openly stated to have modelled the features of his Terminator on Ranxerox, created by Stefano Tamburini and Tanino Liberatore"

The art in the article supports this connection.

Is this true? Did this underground italian comic serve as inspiration for the ultra-popular franchise?

In a video about the making of The Terminator James Cameron claims to have got the idea for his unstoppable robot killer from a dream he had while filming Piranha 2 around 1982, in Rome.

That would put Cameron in Italy right in the period when Ranxerox was being published.

If one considers that Mr. Cameron has been less than transparent about how much inspiration he drew from a couple of Harlan Ellison stories for instance, and if one compares the looks of two characters, the claims seems legit.

The resemblance is undeniably there, both in concept and appearance.

However, I have an hard time believing it.

First of all, I have never found any interview with Cameron confirming that. It looks like this notion is being passed among bloggers, columnists and artists, but is still unsourced. A quote attributed to Stefano Tamburini, creator of Ranxerox, also circulates in a similar unsourced fashion (supposedly the creator Stefano Tamburini lamented the lack of credit, saying that Cameron could have at least bought him a cup of coffie).

Secondly, it is also known that Cameron wrote the role of the Terminator for actor Lance Henriksen: in Cameron's initial pitch the robot was supposed to look like an nondescript, unimpressive human.

Casting Arnold in the role was happenstance: after becoming a star thanks to Conan the Barbarian, the Austrian bodybuilder had enough clout to demand and obtain the title role in the film, something the producers were happy to indulge, but with which Cameron had problems, as it would have completely blown his concept of an average-looking killer.

However, he went along and the rest is history.

But if that were the case, how does the Ranxerox connection fit the narrative?

Is the resemblance of the two characters just a coincidence?

This post doesn't close the case in any way. I think it would be fun to further research this connection, but if the burden of proof lies with the accuser, then Tamburini (who has passed away since 1986) should have brought more arguments and every other reporting the story should better check his or her sources.